Una de las películas que estuvo a punto de entrar al terreno de lo mítico en el cine mexicano es “Ana y Bruno”, cinta animada de Carlos Carrera, basada en la novela “Ana” de Daniel Emil, la cual fue anunciada desde el 2010 y que ha atravesado diversas complicaciones para por fin poder llegar a las pantallas mexicanas, descubriéndonos quizá la mejor cinta animada de la historia de México a la fecha.

Todd Haynes es un director polémico, ubicado por muchos como uno de los principales exponentes del New Queer Cinema, su cine en muchas ocasiones sacrifica una narrativa fluida por un preciosismo visual que pareciera muchas veces le interesa más que el crear una película donde la historia este sobre el aspecto visual. Tras la fallida "Carol(2015) regresa con “Wonderstruck”, la cual resulta una agradable sorpresa que logra equilibrar (o casi) lo visual con lo narrativo.

Wonderstruck"

1927 Rose abandona la casa de sus abuelos para ir a Nueva York y buscar a su madre, una prestigiosa actriz de cine y teatro. 1977, Ben, huye de casa en Minnesota tras la muerte de su madre decidido a encontrar a su padre, a quien no conoce, en Nueva York. Las dos historias comparten puntos en común que les hacen coincidir en emociones y sensaciones.

Director: Todd Haynes

Guión: Brian Selznick basado en su novela homónima

La comedia se ha vuelto el género preferido por los realizadores mexicanos para intentar asegurar así una taquilla que les permita recuperar lo invertido y seguir adelante. Desafortunadamente el exceso de lo mismo comienza a cansar no sólo al espectador sino en las tramas que parecen copiarse unas a las otras, siendo pocas las que buscan, sin inventar el hilo negro, apostar por historias que se alejan un poco de la fórmula. Tal es el caso de la Opera Prima de Hugo Lara, “Cuando Los Hijos Regresan”.

Cuando Los Hijos Regresan

Manuel y Adelina son unos padres ya jubilados que viven tranquilamente sus vidas sin muchas preocupaciones. Por diferentes circunstancias, los tres hijos del matrimonio, independizados hace tiempo, tienen que volver a vivir con ellos. La paz que reinaba en la casa desaparece y Manuel y Adelina trazan un plan para echar a los chicos de la casa y recobrar su vida.

Director: Hugo Lara

Guión: Hugo Lara / Claudia González-Rubio

Michel Hazanavicius saltó a la fama internacional con su cinta “El Artista” ( The Artist 2011) la cual rendía tributo al cine silente al recrear una película de esos años, con todos los elementos técnicos y narrativos, ganadora del Oscar a Mejor Película. Ahora, regresa con “Le Redoutable”, cinta que nos narra un pasaje en la vida de Jean-Luc Godard, la cual ha desatado de nuevo la polémica y los aplausos.

Le Redoutable

Jean-Luc Godard conoce a Anne Wiazemsky y queda prendado de ella de inmediato. Su relación comienza a deteriorarse cuando los sucesos del mayo de Paris toman lugar, llevando a la pareja a alejarse cada vez no sólo entre ellos sino de lo que buscan en la vida.

Director: Michel Hazanavicius

Guión: Michel Hazanavicius

Basado en la novela “Un an après” de Anne Wiazemsky

Yorgos Lanthimos es un director que ha conquistado a las audiencias mexicanas quienes encuentran en su cine un escape a la realidad sin dejar por ello de ser conscientes de los horrores del mundo moderno, ahora con el estreno de su nueva cinta, “The Killing of a Sacred Deer” vuelve a descontrolar al espectador y confrontarle con sus filias.

The Killing of a Sacred Deer

Steven es un eminente cirujano, casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un joven de dieciséis años, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.

Director: Yorgos Lanthimos

Guión: Yorgos Lanthimos / Efthymis Filippou

Con el gran éxito que fue “La Mujer Maravilla” (Wonder Woman) las expectativas de “Liga de la Justicia” (Justice League) se incrementaron, las cuales aumentaron más cuando se anunció que Zack Snyder dejaba la versión final en manos del estudio por cuestiones personales y que el director que le sustituiría para filmar nuevas tomas sería Joss Whedon, pero lo que llega a pantallas es tan pueril y absurdo que de nuevo se queda en promesa de lo que pudo ser algo increíble y se le niega la oportunidad de serlo.

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La clase magistral de Brigitte Brock estuvo moderada por el director sudafricano, Stephen Goldblatt, por lo que la plática se centró en el quehacer de aquellos dedicados en el diseño de producción.

Brigitte Broch comenzó desde niña a imaginar escenografías, desde antes que la Dirección de Arte cobrara el auge que se le reconoce hoy en día. Ahora es ella quien visualiza, bajo la más delicada batuta, la orquestación absoluta de una obra fílmica; ella es quien extiende la concepción de ‘verdad’ en la escena, quien reproduce la realidad a la que se adhiere la trama de los personajes y los tintes del conflicto en el que seguramente se encuentran inmersos.

Actriz y bailarina fue lo primero en lo que la pequeña Brigitte deseaba convertirse, pero fue su entorno inmediato protagonizado por su padre, un ex militar quien gustaba de construirle divertidas escenografías, y su madre, una fanática decoradora del hogar, lo que terminó por delinear su destino. Jamás estudió diseño ni fotografía, tampoco arquitectura o materias afines. Ella confió siempre en su instinto y en el valor de declararse autodidacta. Siendo aún muy joven salió de su país tras la Segunda Guerra Mundial. Deseaba viajar por el mundo, edificar su nuevo hogar, hasta que en el año de 1968 llegó a México, al terruño que le conquistaría para después presumir no querer dejarlo nunca más.

Goldblatt llevó la plática entre dos profesionales de la industria, las preguntas fueron para hablar la manera en la que trabajan, “de cómo realmente hacemos las cosas”. Broch resaltó que cuando hace una película es fundamental el poder tener una buena comunicación con todos. La laureada diseñadora de arte comentó que es importante ser capaz de comunicar si lo que se hace es sólo interesante para el diseño o es interesante también para la cámara. Relató que ella ha tenido ciertas experiencias donde se encuentra con el  dilema de director-cámara-diseño que es el hecho de lograr una comunicación efectiva entre los tres, para que todo lo que se haga sea para bien de la cinta; resaltó que eso siempre es su “mayor preocupación”. Además de que también existen ocasiones cuando la comunicación falla y todo se vuelve un desastre.

Parte esencial para una película es la colaboración entre dirección, cinematógrafo, arte y diseño. Sin esa colaboración no hay un buen resultado; sin embargo, Broch resalta que hay dos tipos de cinematógrafos; aquellos que están interesados en la película y lo que ésta requiere, y aquellos que sólo están interesados en el trabajo, en hacer lo que se les diga. “He tenido esta maravillosa colaboración en las películas de Iñarritu y Rodrigo Prieto, creí que era normal que un cinematógrafo empezara tres o cuatro meses antes, que fuera a las locaciones previas, e hiciera todo el proceso; el cual es muy largo pero bello, es muy inspirador y creativo”, comentó la diseñadora al hablar de su experiencia.

Goldblatt añadió que es en ese proceso donde los diferentes departamentos de producción se enamoran del otro, porque ahí es donde colaboran y comparten ideas. El director sudafricano añadió, “a veces una locación que le gusta al cinematógrafo pero que es imposible técnicamente, le da ideas al departamento de arte para solucionar las cosas de otra manera.”

Entre los títulos que recogen su loable trayectoria se encuentran historias de horror, como Cronos (1993) de Guillermo del Toro, cinta con la que conquistó su primer Ariel; así como historias complicadas, relaciones atravesadas por el virus del VIH, como Sólo con tu pareja (Alfonso Cuarón, 1991), por una situación histórica irreversible como The Reader (Stephen Daldry, 2008) o por la poética, como el romance legendario de Shakespeare en Romeo + Juliet (Baz Luhrmann, 1996), por el que nuestra homenajeada ganó el ACCA (Awards Circuit Community Awards) en 1996, junto con Catherine Martin. Los Academy Awards también reconocieron su trabajo junto con Catherine Martin, al nominarla en 1997 al Óscar por Mejor Dirección de Arte y Decoración de Set por Romeo + Juliet (Baz Luhrman, 1996) y finalmente, otorgarle el Óscar por Moulin Rouge (Baz Luhrman, 2001) en el 2002.

Brigitte Broch ganó el Ariel al mejor Diseño de Arte en el 2000, con Sexo pudor y lágrimas (Antonio Serrano, 1999), aunque también fue nominada un año antes por La otra conquista (Salvador Carrasco, 1998) y un año después, por Amores perros (Alejandro González Iñárritu, 2000). Recibió otra nominación en 1995 por Mejor Ambientación con El jardín del Edén mexicano (María Novaro, 1994); en el 2006 compitió por el Art Directors Guild Award por Mejor Diseño de Producción Contemporánea con Babel (Alejandro González Inárritu, 2006) y la más reciente fue en los Premios Goya en 2011, por mejor Mejor Dirección de Arte con la desgarradora Biutiful (Alejandro González Inárritu, 2010). Dando cuenta del talento y versatilidad de su percepción, entre las más de 32 producciones en que ha desarrollado el diseño de producción, también están La vida conyugal (Carrera, 1993), Hechizo en la ruta maya (Peploe, 1995), Entre Pancho Villa y una mujer desnuda (Berman, Tardán, 1996), 21 gramos (Iñárritu, 2003), Vantage Point (Travis, 2008), Abel (Luna, 2010), Hidalgo, La historia jamás contada (Serrano, 2010); y Safe House (Espinosa, 2012).

Los invitamos a ver la clase magistral de la homenajeada Brigitte Broch.

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