2017

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Hace algunas décadas un avión cayó en la Cordillera de los Andes, terreno difícil para emprender un rescate casi imposible para la época. Varios de los accidentados tuvieron que llevar a cabo el canibalismo para lograr su sobrevivencia. Décadas después, el estupendo director argentino Santiago Mitre (director de la neodostoievskiana “El Estudiante” y de la magnífica exploración neofeminista “La Patota”), nos lleva al mismo lugar para observar ahora nuevos actos de barbarie y canibalismo, sólo que ahora políticos y a nivel latinoamericano, en busca de un tratado comercial latinoamericano liderado por Brasil y en contra de los intereses gringos.

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Ruben Östlund es de esos cineastas cuya filmografía nos da su opinión sobre lo que es la pesadilla y el dolor de ser primermundista encorsetado. Si bien, no lo expresa en términos de culpa cristiana, como de repente nos ocurre con algunos filmes americanos o hace dos siglos con la gran literatura rusa, sí nos muestra una desazón suprema actualísima en el devenir de sus personajes, a los que no les otorga ni siquiera la catarsis de la tragedia, sino que los sume siempre en la perplejidad y el ridículo.

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San Juan de la Vega es una comunidad en el Municipio de Celaya, Guanajuato, cada año se realiza una fiesta, el Carnaval de San Juan, que culmina con una representación de un hecho histórico ocurrido hace más de 400 años, cuando el hacendado de la zona logró detener a unos bandoleros que se habían apropiado del oro había enviado a la capital. Como parte de la procesión los habitantes truenan cohetes al paso del santo, actividad prohibida en la actualidad. El documental “Los Truenos de San Juan” muestra los preparativos del evento y la forma en que la comunidad se enfrente a la autoridad por preservar su cultura.

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¿Nos enamoramos de la esencia, del físico, de ambas? En “Ayer, Maravilla Fui”, su nuevo largometraje, Gabriel Mariño reflexiona sobre el amor, la soledad y las pérdidas de una forma poco convencional, creando una inquietante cinta donde le exige mucho al espectador para lograr su complicidad y llevarle por una historia donde es imposible quedar inmune.

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Polémica por su producción pero no por su calidad, “El Dibujante” (The Drawer Boy) fue quizá la cinta con mejor técnica de todas las presentadas en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2017 durante la competencia mexicana, pero desde antes de su exhibición y aún más después de ésta, se debatía una cosa, ¿el que el director sea mexicano y tenga dinero del país hace que sea mexicana una película que está ambientada fuera de él y protagonizada por angloparlantes, donde no hay pizca de México?

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En México las figuras históricas son intocables. Es imposible acercarse a ellas si no es para apuntalar la fama que tienen, engrandecerles, hacerles aún más inaccesibles, elevándoles al grado de dioses del Olimpo a los cuales se les debe reverenciar sin cuestionarles nada, sin humanizarles. Pocos trabajos se atreven a hacerlo y, en cine, aún son más escasos esos trabajos, es por ello que la nueva cinta de Natalia Beristáin, “Los Adioses”, es una cinta de doble riesgo, no sólo se atreve a desmitificar la imagen de Rosario Castellanos, sino se atreve a crear una ficción alrededor de ella y su vida sentimental.

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Hay cintas que si bien no son excepcionales tienen todo lo necesario para atrapar a distintas audiencias y crear un interés en su trabajo, muchas veces el saber han sido seleccionadas para tal o cual festival de cine les impone una etiqueta de la cual es complicado desprenderles, en el caso del Festival Internacional de Cine de Morelia, uno espera que veamos un trabajo con cierta propuesta, con una calidad técnica arriba de la media y, sobre todo, un valor más allá de lo comercial. Hay excepciones sin duda y “Casa Caracol” es una de ellas.

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Sinvivir: estado de angustia que hace vivir con intranquilidad a quien lo sufre.

El salto del realizar cortometrajes a dirigir un largometraje en muchas ocasiones muestra la pericia del director para contar una historia fuera de un espacio condesado, permitiéndole mostrar más detalles de la historia e involucrar al espectador en ella con diferentes ritmos. En otros nos muestra una incapacidad de adaptarse a otros tiempos, tal es el caso de la cinta “Sinvivir” de la directora Anaïs Pareto Onghena.

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En el 2010 llegó a pantallas de cine El Juego del Miedo VII (Saw 3D) la cual se anunciaba como el capítulo final de la saga de John Kramer, la cual ataba todos los cabos sueltos de las cintas anteriores (o por lo menos la mayor parte de ellos), es por eso cuando se anunció una nueva entrega de esta saga para el 2017, la incredulidad invadió a todos, sobre todo por lo forzado de cada una de las pasadas entregas, pero “Jigsaw: El Juego Continúa” (Jigsaw) es toda una sorpresa.

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El cine de Tobar es perturbador, es osado, es doloroso. Es un director que no teme en confrontar al espectador y ponerle del lado de los manipuladores de emociones en sus historias. Ya lo hizo con “2000 Metros Sobre el Nivel del Mar” y con “Asteroide” por lo que en su tercera cinta,”Oso Polar”, no sorprende que de nueva cuenta nos lleve a una montaña rusa de emociones y no, no estamos ante un drama sin concesiones, sino ante algo más cercano a la comedia negra.

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Jeannette Walls trabajó durante muchos años como columnista para la MSNBC.com, escribiendo consejos del corazón para un público compuesto en su mayoría por mujeres aburridas, amas de casa en busca de alguien les guiara en situaciones cotidianas. En 2005 publicó la novela “El Castillo de Cristal” (The Glass Castle) donde narraba sus relaciones familiares, la cual ahora llega a la pantalla grande.

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Del grupo de tres amigos que se fueron a Hollywood buscando cristalizar sus sueños y buscar oportunidades para desarrollar el cine que deseaban hacer, Guillermo del Toro es el que tiene el cariño ciego de sus fans. Ahora en este 2017 nos presenta su nuevo trabajo, “La Forma del Agua” (The Shape of Water), fantasía romántica ganadora del León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

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Uno de los clásicos de los 90s que ha sido utilizado últimamente para crear cintas que se roban su premisa alejándole de la comedia para situarse en el drama o en el cine de terror es “Hechizo en el Tiempo” (Groundhog Day, Ramis 1993), posicionándole como una premisa que el tiempo en lugar de envejecerla, la revitaliza cada vez más. Así fue que ya tuvimos este año Si No Despierto (Before I Fall, Russo-Young) que fracasa miserablemente en su intento y ahora nos llega “Feliz Día de tu Muerte” (Happy Death Day) que corre con mucho mejor suerte.

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Pocas películas han logrado sacar de mis ojos más de una lágrima, si bien el drama por lo regular tiene una serie de reglas de género que no me son ajenas, se debe considerar a las películas como una relación íntima de forma y fondo, también es cierto que el drama actualmente se encuentra muy devaluado, no es para menos porque las historias nos las cuentan de forma cada vez más repetitiva.

El caso de “Adiós a Christopher Robin” (Goodbye Christopher Robin, 2017, Reino Unido) no es del todo diferente, el género ya nos es conocido pero tiene elementos que la hacen única, nos cuenta la historia sobre cómo se creó Winnie Pooh a partir de los momentos de juego de Christopher Robin Mills o “Billie Mills” de una manera emotiva y por momentos melancólica (Sí, eso del desorden de personalidad no era de a gratis).

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El cine mexicano ha tenido diversas cintas hechas a través de cortometrajes que al unirles dan la duración necesaria para hacerles largometrajes, como lo fue en su momento “La Puerta/La Mujer del Carnicero” (Alcoriza/Rodríguez y Urueta 1968), o “Historias Violentas” (Saca, C. García Agraz, González Dueñas, López, Pardo) del 1984. Ahora llevando el experimento un paso adelante, Machete Producciones nos trae “La Habitación”, ocho cortometrajes que en realidad son fragmentos de una misma historia con un personaje en común, un cuarto de una casa situada en la Ciudad de México.

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Hace un par de años, el filme “Gloria”, la opera prima del cineasta chileno Sebastián Lelio, puso en el mapa para los mexicanos a una actriz excelente llamada Paulina García. Mucho se decía en ese momento que la película lo era todo debido al trabajo de la intérprete y quizá está equivocada teoría contagió a algunos cineastas que, creyendo lograr una estupenda película contratando a la Garcia, pues lo han hecho sin resolver sus problemas de guión o de propuesta.

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En 1982 surge de la mano de Ridley Scott una de las cintas emblemáticas de la Ciencia Ficción moderna, “Blade Runner”, la cual desde su inicio tuvo diferentes versiones para su estreno en distintas partes del mundo, consolidando estos cambios en 1992 con el lanzamiento del llamado Director’s Cut de la misma y que cambiaba varias implicaciones de la historia en su final. Ahora, en 2017, surge la primera secuela oficial de la película, “Blade Runner 2049” dirigida por el canadiense Denis Villeneuve.

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Con apoyo de al menos 10 productores internacionales, entre los que sobresalen los Festivales de Berlín, Rotterdam y Turín, el filme sudafricano “La Iniciación” (Inxeba) de John Trengove, arranca de inmediato con un padre acaudalado, preocupado por la virilidad de Kwanda, su hijo puberto, al que envía con su sobrino Xolani, quien se dedica a atender a los adolescentes en un rito milenario de masculinidad en las montañas -del que ya se libran muchos jóvenes-, en los que durante unas semanas en el campo sin comer ni beber nada, viviendo en una especie de campamento de chocitas infectas, sacrificio de cabras, maquillaje, danza y con la circuncisión de por medio, culminan convertidos en lo que su cultura denomina “hombres”. Sólo que Xolani es gay de clóset. Su amante machín, casado y con hijos, forma parte del grupo que mantiene vivo el ritual. Y Kwanda, –quien ha sido sometido en contra de su voluntad al rito- está a punto de enterarse…. La rebelión y el enfrentamiento sucederá lógica - sorprendentemente.

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En la paradisíaca villa australiana de Tanna, dos tribus comparten en la actualidad, una cosmovisión primitiva y han ganado sostenerla contra la colonización, el progreso capitalista y las ofertas económicas que han recibido para cambiar. También comparten la idea de los matrimonios por conveniencia y la de que el amor no se anteponga a sus visiones políticas. Lo que los separa es la lucha por las tierras y el que estas dinastías ya no quieren más muertes de sus integrantes, debido a estas continuas batallas. Casar a una joven virgen de una de las tribus con el heredero de la otra, suena lógico. Pero la idea del amor conyugal es algo inusitado en sus costumbre sociales y políticas que acaba por sorprenderlos y darle un final suicida a esta historia.

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Hay una subyugante violencia contenida en las imágenes de la nada, el vacío y las horas muertas que constituye el fresco general del filme Zanjas, coproducción argentino/ mexicana de Francisco Paparella, una película considerada no-budget en los festivales de culto donde se ha presentado. “Zanjas” está basada en los feminicidios que asolan nuestro país, México, con la historia situada en el sur de Argentina, reflexiona y se pregunta sobre la catatonia moral y anímica de un pueblo ante el crimen.