Críticas Recientes

2018

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Ganadora del premio del jurado a Mejor Guión en el Festival de Cine de Sundance 2018 y del premio a mejor actor para Gerardo Méndez en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2018 y nominada a cinco premios Ariel, “Tiempo Compartido” la nueva cinta de Sebastián Hoffman, es una comedia negra que sorprende por su puesta en escena y por la manera en que el director logra crear un universo de pesadilla dentro del paraíso playero mexicano.

Andrés trabaja en “Vista Mar” un resort de Acapulco propiedad de Everfields International, arrastra las secuelas de una enfermedad que le ha dejado con daños cerebrales y sólo puede observar como su esposa se aleja cada vez más de él mientras se integra más al emporio. Pedro llega con su esposa e hijo a una de las villas del lugar sólo para encontrarse con la sorpresa de que deberá compartir su villa con otra familia. Poco a poco ambos irán descubriendo que el lugar es una trampa mortal que amenaza con quitarles su familia.

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Cada película que pasa por las pantallas tiene la capacidad de hacernos reflexionar ¿Para qué el cine? Ante tal pregunta y acorde a nuestra educación cercana o no al cine observamos los detalles, ya sea como parte de algo que debe complacernos, hacernos sentir que estamos viendo una obra de arte, pasar el rato o hacer una diferencia banal entre ”cine de arte” y “cine comercial”.

Hace tiempo en una reseña de “Machete” (Rodríguez 2010) comenté que el cine nació y fue inventado para ver a Machete en el espacio, tal película aún no realizada sería la cúspide, a partir de ese momento la pregunta tal vez cambie y la finalidad del cine se transforme, sin embargo, mientras llega, es nuestro deber cinéfilo sucumbir a los placeres del séptimo arte en su diversidad porque ¿qué es el arte sin trasgresión?

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El regreso de “Deadpool a las pantallas cinematográficas, provocó desde su anuncio una sensación de inseguridad, que la primera cinta dedicada a este personaje fuera tan exitosa y tan respetuosa del personaje hizo temer que la secuela cayera sólo en lugares comunes en su intento de complacer a los que amaron esa cinta. Afortunadamente no sólo se niega a repetir viejos chistes, sino que intenta mantener la frescura de aquella con resultados sorprendentes.

Cuando una misión queda inconclusa, Deadpool descubre que ha cometido un error que cambia su vida para siempre y cuando su intervención en un hecho provoca que el futuro de la Tierra se encuentre en peligro y que un soldado venga a impedir los acontecimientos, deberá hacer uso de toda su osadía para impedir ambas cosas y formar X Force.

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Han pasado diez años desde que en una de las secuencias postcréditos más famosa de la actualidad, Nick Fury se acerca a Tony Stark y le preguntaba si conoce sobre la “Iniciativa Vengadores”, 18 cintas después vemos en pantalla la culminación de toda una estrategia de comercialización y de creación de un universo que ha crecido con sus espectadores, el imperio cinematográfico creado por Marvel es tan exitoso que es casi imposible haya alguien no haya visto u oído de sus películas. Y “Vengadores: Infinity War” (Avengers: Infinity War) es su regalo para sus fieles seguidores.

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Enlatada por 9 años, "De la infancia" se presentó en la edición 64 de la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional. Dirigida por Carlos Carrera, basada en la novela homónima de Mario González Suárez, y con un guión de Silvia Pasternac, Fernando Javier León Rodríguez y el propio Carrera, De la infancia nos cuenta la historia de la familia Niebla que, como muchas en México, muestra la violencia en la crianza, la falta de madurez de los adultos y el abuso que poco a poco guía a los hijos a un destino inevitable; el seguir los mismos pasos que sus padres.

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El cine de suspenso muchas veces fracasa en su intento de crearlo por las prisas de plantear las cosas y de mostrar su desenlace, olvidando las reglas básicas del mismo y buscando sustituirles por apresuramientos y retorcidas vueltas de tuerca para crear algo mantenga la atención del espectador. Es por eso se agradece lleguen cintas como “Un Lugar En Silencio” (A Quiet Place) que nos recuerda que para crear complicidad con el espectador muchas veces basta tratarle como un ser inteligente y que no requiere nada fuera de lo ordinario para engancharse a la historia.

La Tierra ha sido invadida por seres alienígenas que han destruido la vida en el planeta como le conocemos, dotados de un agudo sentido del oído se lanzan contra todo aquello produzca sonido, de forma rápido y sin titubear. Una familia vive en el campo, aislada de todos, pero cuando la madre se encuentra a punto de parir a otro hijo, las cosas se complican y la supervivencia parece algo imposible.

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Ernesto Contreras ha logrado con tres películas (y un fragmento) ser un director de gran temple, interesado en las relaciones humanas, con una mirada entrañable y que desgarra a la par que te cautiva. Su tercera cinta, “Sueño en Otro Idioma” es su trabajo más redondo a la fecha, también el que nos muestra que vienen mejores trabajos de su mano en un futuro.

Cuando un lingüista interesado en el zikril, una lengua indígena al borde de la extinción, descubre que los dos únicos hablantes de la misma están peleados entre sí, lo cual le lleva a buscar la forma en que ambos accedan a charlar entre ellos, revelando el pasado y la forma en que las amistades cambian.

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La llegada de un extranjero a cualquier país siempre da pie a cintas que muestran el folklore del país que se va descubriendo, siempre con la mirada puesta en lo exótico, mostrando un lugar que pocas veces tiene que ver con el lugar real, el México visto desde el extranjero siempre ha sido una muestra de ello, pero ahora llega “American Curious” la cual nos muestra esa visión pero no bajo la visión de un director foráneo, sino uno nacional.

David Green es un standupero con escaso éxito, las deudas lo abruman y cuando recibe la noticia de que su madre biológica ha muerto y es heredero de sus cosas, viaja a México, donde comienza a descubrir no sólo el país sino los secretos de la familia.

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Insisto, las cintas que adoptan videojuegos parecen irremediablemente condenadas al olvido, al desprecio de los jugadores, al rechazo de los fans y a ser productos que por lo regular carecen de mínimo interés para todos, dicho la anterior, podemos decir que “Rampage. Devastación” (Rampage) la nueva cinta de acción de Dwayne Johnson tiene en su contra todo ello, aunque a su favor juega tenerle a él protagonizando la cinta.

Una compañía hace experimentos de modificar el ADN en animales, volviéndoles violentos y con características mejoradas, cuando uno de sus especímenes escapa de la estación espacial donde crean estas criaturas y destruye el laboratorio, una de sus empleadas logra escapar con las cápsulas que contienen las toxinas de modificación, las cuales al entrar en la tierra caen en diversos lados, como una reserva animal donde afecta a un gorila y un lobo, los cuales mutan y comienzan una devastación por donde pasan, uniéndose a su paso un cocodrilo. Sólo la Roca podrá parar este desastre.

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Es difícil crear comedias originales actualmente, la mayoría de ellas son copia de la copia de la copia de otras cintas que han funcionado, “Noche de Juegos” (Game Night) no es la excepción, pero si es una que sobresale de otras, esto debido a que su inspiración no viene directamente de otras comedias sino de thrillers y cintas de acción, logrando mantener la atención y la curiosidad por lo que vemos en pantalla.

Un grupo de amigos se reúne cada semana para vivir una noche de juegos, huyendo de su vecino que ha sido dejado por su pareja y que era con quien ellos tenían mejor contacto. Cuando el hermano de uno de ellos llega de visita y propone un juego distinto, no saben que se verán inmersos en algo que va más allá de una inocente diversión.

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No cabe duda que estamos regresando a la década de los ochenta, tensiones entre Rusia y el mundo occidental, canciones de Timbiriche en los antros y sobre todo películas de robots gigantes en el cine, tal es el caso de “Mazinger Z”.

Pocos son los momentos que nos pueden regresar a nuestra niñez como cuando Mazinger sale de la base de los Laboratorios de Energía Fotónica, sobre todo si lo hace una vez más para salvar al mundo de las garras del Dr. Hell y su ya famoso séquito, el Conde Decapitado y el Barón Ashler (Barón Ashura en la versión original), quiénes en ésta ocasión, cuentan también con sus propios “robots monstruo” para poner en aprietos a nuestros héroes Koji Cabuto y Mazinger (Sí, definitivamente emociona verlos con sus propios robots gigantes y ser derrotados como siempre).

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En 2010 Kodansha desde Japón nos sorprendió de buena manera con el manga “Attack On Titan”, posteriormente el anime que se derivó de la obra original fue impresionante, la temática a partir de las dudas sobre los antagonistas (Titanes) daban pie a generar expectativas sobre la historia, todo mundo se preguntaba ¿qué son los titanes?, ¿de dónde vienen?, ¿por qué Eren (Protagonista) no es igual que los demás humanos?

Con el paso del tiempo, y siguiendo la moda actual de llevar a la pantalla grande cintas basadas en manga o anime, la primera entrega de “Attack On Titan” en su versión de acción viva resultó ser interesante pero apresurada y con efectos muy mal trabajados, aunque la adaptación fue muy certera y muestra aspectos importantes que se desarrollan a detalle en la serie de anime, te deja al final un sabor de boca extraño.

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Parece increíble que “salir del closet” deba ser todavía un tema de discusión y propuesta cinematográfica, “Yo Soy Simon” (Love, Simon) es una preciosa cinta  que retrata tal problemática de una manera divertida e inocente.

En esta ocasión debo admitir que me siento totalmente identificado al ser abiertamente homosexual, pero sobre todo por haber pasado por un proceso de “salida del closet” en algún momento de mi vida, proceso que para muchos es conocerse a uno mismo, conocer su entorno, pero fundamentalmente tener valores y convicciones fuertes para atreverse a ser uno mismo.

Si bien en la actualidad hay temas que podrían parecer de mayor relevancia para la comunidad LGBTTTI, la realidad es que a pesar de que vivimos en tiempos donde claramente hay una mayor apertura que hace 20 o 30 años, también es cierto que en muchas partes del mundo la situación de ser gay sigue siendo un tema delicado.

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Tras parecer aferrado a mostrar que había perdido su magia con cintas como “Indiana Jones y  el reino de la calavera de cristal” (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull 2008) o “El Buen Amigo Gigante” (The BFG 2016), Steven Spielberg nos entrega con “Ready Player One” la que se convertirá en una de las cintas claves de la década al recordarnos lo que es capaz de hacer cuando deja fluir la historia de forma natural, aderezándole con grandes efectos visuales y una trama que recuerda sus mejores trabajos de los 80s.

2045, la sobrepoblación del planeta Tierra hace que para muchos habitantes la única opción de poder desarrollarse en algo sea dentro de un complejo mundo virtual conocido como Oasis. A la muerte de su creador se anuncia un reto para hallar un easter egg dentro de él, quién lo haga será el dueño del lugar. Wade Watts un solitario adolescente, sueña junto con millones en ser el que lo encuentre y su mundo va a cambiar por completo cuando resuelva la primera parte del enigma.

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Decir que a Titanes del Pacífico: La Insurrección (Pacific Rim Uprising) le falta la mano de Guillermo del Toro no es lo justo para describir la cinta, la cual demuestra que lo que le falta a ella para funcionar es, en realidad, un guionista, un director de verdad y, sobre todo, un trabajo sofisticado de efectos especiales para que no sintamos estamos viendo animación por computadora.

Diez años han pasado desde que la Brecha se cerró, los Jaegers son obsoletos y cuando aparece uno rebelde que causa muerte y destrucción, los escasos pilotos y cadetes que quedan deben unir fuerzas para parar el nuevo enemigo. En medio de traiciones y sorpresas la humanidad debe de nueva cuenta enfrentarse a las criaturas que buscan destruir el planeta.

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Aunque pueda resultar un lugar común jamás estará de más puntualizar antes de hablar del estreno de una película inspirada en las Santas Escrituras que en dicho apartado el incendiario opus de Martin Scorsese, “La Última Tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988) marcó un antes y un después en cuanto al tratamiento de la desmitificación de una de la figura más representativa de la tradición cristiana. El nuevo milenio trajo consigo la tregua que esta película buscaba y fue en 2004 cuando, en México y otras partes del mundo, por fin pudo verse en todo su esplendor, revelando que sus receptores eran espectadores con criterio mientras estimulaba a otros realizadores a continuar entregando visiones arriesgadas, pero totalmente reflexivas que buscaran no aniquilar la fe, sino más bien cuestionarla y, en el peor de los casos, reafirmar su creencia.

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Dentro de la escalada de comedias que nos invaden es inevitable que tengamos muchas cuya calidad sea ínfima, dónde uno se pregunta cómo fue posible alguien les filmará y, peor, que pensara podría tener un mínimo interés como para que se pague un boleto para verla, tal es el caso de “Tuya, Mía… Te La Apuesto. Para Triunfar Hay Que Tener Balones” (sí, ese es el kilométrico título tiene en pantalla ésta bazofia), la cual se supone es un vehículo de lucimiento para su única estrella, el comediante televisivo Adrián Uribe.

Mariano sólo vive para ver los partidos de futbol de la Selección Nacional, convencido que es un amuleto para el equipo y que, si les ve, estos no perderán un partido. Cuando apuesta todo lo que tiene por el pase de México al Mundial todo se le colapsa por una tragedia familiar que le impide ver el partido.

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Dentro del cine mexicano la fiesta es un elemento importante y por lo regular se busca retratarle en pantalla de una forma que refleje lo que pasa en esos momentos, fallando en la mayoría de los casos ya sea por presentar una realidad que poco tiene que ver con el mundo fuera de la pantalla o por caer en el abuso de clichés. Las bodas son parte de estos experimentos cinematográficos, siendo “El Anzuelo” (Rimoch 1996) una de las que logran captar bien algunos momentos de estas dentro del melodrama, y ahora, en tono de comedia, nos llega “Hasta Que La Boda Nos Separe”, la cual logra situarse arriba del promedio de las comedias mexicanas estrenadas este 2018.

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La Ciencia Ficción siempre se encuentra presente en las carteleras cinematográficas, en la mayoría de los casos con cintas que repiten propuestas recicladas hasta el cansancio, pero ocasionalmente nos llegan películas sorpresivas, que atrapan los sentidos, que nos vuelan la cabeza por su premisa, tal es el caso de “Zona Mortal” (Radius), la cual no sólo te mantiene al borde del asiento sino que te lleva a cuestionar sobre la naturaleza de las personas.

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Hay directores que no se traicionan y que, sin importar la edad, las circunstancias, los momentos, siguen siendo fieles a su estilo, a sus provocaciones, a sus trabajos, uno de ellos sin lugar a dudas es Roman Polanski quien regresó a la dirección con “Basada en Hechos Reales” (D'après une histoire vraie), estrenada en el Festival Internacional de Cine de Cannes en el 2017, y que nos reafirma su pulso.

Delphine se encuentra en gira de promoción de su último libro, tras una maratónica firma de ejemplares conoce a Elle, quien poco a poco va ganando su confianza y se mudan juntas, lo que ayuda a la primera a dejar atrás el bloqueo para escribir tiene y quien comienza a planear un nuevo libro basado en su nueva amiga. Cuando Elle descubre todo, la situación se sale de control.