Críticas 2019

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El café es adictivo, es una de las bebidas que sirven tanto para una charla amistosa como para una reflexión en solitario, podemos beberle en casa o salir a comprar una taza de café en sofisticados establecimientos donde su precio puede alcanzar valores estratosféricos comparado a lo que se les paga a los campesinos que lo cultivan. El proceso de cultivarle, comerciarle y hacerlo llegar a los consumidores es el tema del documental “Six Dollars Cup of Coffee” dirigido por Andrés Ibáñez Díaz Infante y Alejandro Díaz San Vicente, quienes nos llevan a reflexionar sobre el tema.

A través de los ojos de una familia tseltal, el documental conecta a una cooperativa en Chiapas, México, con la tendencia del café de especialidad en Seattle, Estados Unidos.  Las personas que aparecen a cuadro cuestionan los paradigmas de calidad en el mundo del café. También somos testigos de cómo la roya está destruyendo plantíos en todo el continente americano, lo que podría significar una escases del café.

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Una de las cosas que el cine hollywoodense tiene completamente dominada es el narrar historias que narran el paso de la adolescencia a la adultez pero aun así resulta una inesperada sospecha “Chicos Buenos” (Good Boys), la cual narra el momento en que se da el salto de la pubertad a la adolescencia, con notables resultados.

Max, Lucas y Thor son tres chicos que, a sus 12 años se enfrentan por primera vez a lo que podría significar la adolescencia cuando son invitados por el chico más popular de su grado a una fiesta de besos. En su afán de descubrir cómo se debe dar un beso, se verán envueltos en una aventura que involucra un dron perdido, dos adolescentes en busca de droga y, el aceptar sus gustos y aficiones comienzan a cambiar.

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“El pasado que nos une” (“After the Wedding”) es una adaptación de la versión dirigida por la directora danesa Sussanne Bier, película estrenada en el 2006. Mientras en aquella ocasión los personajes principales eran hombres, interpretados por Mads Mikkelsen y Rolf Lassgård; en esta versión, tenemos como protagonistas a dos grandes actrices, Julianne Moore y Michelle Williams.

Sin que haya un cambio significativo en la trama; más allá del género de los personajes, “El pasado que nos une” nos habla de la importancia de la familia, del amor, de los sacrificios y de las decisiones que nos llevan a enfrentarnos a un presente inesperado. No obstante, es bueno resaltar que el tráiler de la cinta no le hace ninguna justicia porque éste nos muestra más una cinta cercana al thriller y suspenso que a un drama; como resulta ser la cinta en su totalidad.

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En 2016 llegó a pantallas nacionales “El Cumple de la Abuela” la cual nos introducía a una familia disfuncional que giraba en torno a la matriarca de la familia, dando pie a una serie de situaciones humorísticas llenas de mala leche, rompiendo el cliché de la familia mexicana típica del cine nacional. Al final de esa cinta se anunciaba que la abuela iba a contraer matrimonio con el jardinero, situación que es ahora explotada en “La Boda de la Abuela”.

La abuela y Julio se van a casar, por lo que la familia del segundo debe ir al evento, el choque entre esa familia conservadora y la nada ortodoxa familia de la abuela pronto llevarán las situaciones al límite, sobre todo cuando los secretos de ambas comiencen a salir a la luz.

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El universo de DC Comics se presume oscuro, psicológico, lleno de una intensidad que carece el de su competencia, Marvel, lo que le ha llevado a fracasar en casi todas sus aventuras cinematográficas, siendo las excepciones, notables ejemplos de un cine serio que busca ser algo más que un cine de superhéroes, tal es el caso de “Guasón” (Joker) que narra el origen del principal enemigo de Batman y que se aleja completamente de lo narrado en este tipo de cintas, siendo esa también su principal defecto y virtud.

Ciudad Gótica muestra el descontento social ante la grave desigualdad económica. Arthur Fleck, un payaso, comienza una espiral que le llevará a la destrucción de su psique y le hará ser, sin desearlo, el impulso que requieren algunos para iniciar una serie de destrozos que culminaran en un motín.

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John Crowley, director conocido por su trabajo en “Brooklyn” (2015) y “Closed Circuit” (2013), presenta un drama, "El Jilguero"("The Golfinch"), con tintes de suspenso que se basa en la culpa que carga el protagonista desde su infancia, donde un cuadro representa el dolor de la perdida, la necesidad de aferrarse a un momento que ha dejado de ser y no será hasta deje ir a ese pequeño recuerdo que encontrará el perdón y la tranquilidad que tanto ansía.

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Luc Besson siempre será reconocido por ser un director y guionista que nos ha dado grandes cintas. Como director podemos recordar la “La Femme Nikita” (1990), “El perfecto asesino” (“Léon: The Professional”, 1994), “El Quinto Elemento” (“The Fifth Element”, 1997).  Y, como solo guionista nos dio la primera entrega de “Búsqueda Implacable” (“Taken”, 2008) con el imparable de Liam Neeson, las cuales poco a poco fueron tomando un tono mucho más exagerado que la primera entrega.

Pero, a su vez, también ha tenido sus altibajos con cintas que tienen una buena premisa, aunque no logran un buen balance entre acción, historia y dirección como lo son “Lucy” (2014) y la muy desafortunada “Valerian y la ciudad de los mil planetas” (“Valerian and the City of a Thousand Planets”, 2007); en la que tenemos a dos actores muy poco carismáticos y, sobre todo, que muestran cero química entre ellos. Aunque el diseño es interesante (y hace reminiscencia de sus otras películas), Valerian ha sido uno de sus grandes errores como creador. En general, Besson es un director que ya dejo su marca en la historia con grandes cintas, aunque siga haciendo cintas tan poco afortunadas y donde lamentablemente podemos catalogar a Anna como una de esas.

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Uno de los aspectos que el cine Hollywoodense nos ha dejado de las películas de terror es utilizar lo sorpresivo de muchas escenas, en combinación con la música, para espantar al espectador. Conocido con el término anglosajón de “jumpscare”, es un elemento del cine de terror actual para atraer a las audiencias con la promesa de tener un momento terrorífico haciendo uso de la tensión y del suspenso de la cinta. No obstante, los “jumpscares” resultan cada vez más predecibles y cada vez con más frecuencia entran en escenas clichés que hasta el espectador más distraído puede detectar.

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La comedia romántica en México tiene una reina y es indudablemente Martha Higareda, las cintas que produce sobre el tema de inmediato cuentan con el favor del público y cuando se une a elle el nombre de Omar Chaparro, el éxito se multiplica, por lo que no extraña que ahora de nuevo hagan mancuerna, ahora con la cinta “Tod@s Caen”.

Mia tras ser abandonada por su novio y una serie de desastrosas citas, decide realizar una serie de reglas para poder ligar sin salir lastimada y llevarlas a la televisión, la propuesta de su programa llama la atención de una productora quien promete ayudarle si consigue que uno de los casanovas del momento se enamore de ella. Él por su parte busca inculcarle a su mejor amigo sus tácticas para seducir mujeres. El choque entre los dos nos llevará a una nueva lucha de sexos donde irremediablemente, el que no cae, resbala.

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El cine mexicano siempre busca el crear cintas para que los menores de edad puedan identificarse y acudir a las salas de cine, desafortunadamente no logra aun encontrar el tono adecuado para que esto suceda y todo queda en buenas intenciones, como ocurre con el primer largometraje de Yibrán Asuad, “Todas las Pecas del Mundo”, la cual narra las peripecias de un adolescente en 1994 en el Distrito Federal.

José Miguel llega casi a finales de curso a una escuela secundaria, donde se queda prendado de Cristina, una chica de tercero, novia del Kenji, decidido a hacerla su novia no duda en formar un equipo de futbol con todos los rechazados para impresionarle y conquistarle, sin importarle a quien hiera, engañe o aplaste en su camino.

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El cine de Ciencia Ficción por lo regular encuentra sus mejores momentos cuando se involucran temas filosóficos en él, cuando se cuestiona el ir y venir de la raza humana, se piensa en su futuro y posibilidades de supervivencia, en las posibilidades de sobrevivir o destrucción que la humanidad tiene. Es en este tipo de películas donde encaja “As Astra” (hacia las estrellas, en latín), la irregular nueva cinta del siempre aburrido James Gray.

En el futuro la humanidad se encuentra en riesgo, una serie de desastres naturales parecen poner a la Tierra al borde de su extinción. Con el conocimiento de que todo tiene que ver con una antigua misión espacial, las autoridades mandan al hijo del encargado de esa misión para que establezca contacto con su padre y puedan frenar todo.

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En el 2001 se estrenó uno de los programas más populares de Nickelodeon, “Dora La Exploradora” (Dora the Explorer) la cual mostraba las aventuras de una niña de 7 años que, acompañada de su mochila parlante, un mapa que interactúa con ella y su mono Botas, corría aventuras mientras decifraba rompecabezas, acertijos, siempre buscando el apoyo de la audiencia a la que buscaba involucrar. Ahora nos llega su primera cinta de live action, “Dora y La Ciudad Perdida” (Dora and The Lost City of Gold) la cual es una secuela a la serie animada y que logra mantener el espíritu de aquella, mientras impulsa a la protagonista a nuevos horizontes.

Dora ha cumplido 16 años y sus padres deciden enviarle a Los Angeles mientras ellos exploran la selva peruana en busca de la mítica ciudad de Parapata. Cuando ellos desaparecen, Dora, su primo Diego y dos compañeros de la escuela son secuestrados por buscadores de tesoros para que le sigan la pista a sus padres, pero son ayudados por Alejando, un profesor peruano, que dice conocer a su familia.

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La historia mexicana está llena de situaciones tan surreales que parecen episodios inventados para alguna serie de televisión o libro de ficción. Uno de ellos es el que retrata la película “Sonora” de Alejandro Springall, la cual nos muestra como al inicio de la década de los 30s, al norte del país se desató una agresiva campaña contra los habitantes chinos, a los que se les acusaba de todos los males.

Sonora, 1931, doce personas desesperadas cruzan el desierto sonorense en un Chrysler 1929 con la esperanza de encontrar paz en Baja California. En la accidentada travesía, la benevolencia se enfrenta a la brutalidad: el racismo, la avaricia y la paranoia se vuelven más peligrosos que el inhóspito y despiadado paisaje.

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Tras el arrollador éxito de “It(2017) se crearon grandes expectativas sobre su secuela, la cual abarcaría la etapa adulta de los personajes y su enfrentamiento final con el payaso Pennywise para salvar al pueblo de Derry. Desde la elección del cast, hasta la duración de la película siempre se tuvo la atención del público. Ahora, con el estreno de “It: Capítulo 2” (It Chapter Two) desafortunadamente confirmamos esa máxima de que “segundas partes nunca fueron buenas”.

Han pasado 27 años desde que el Club de los Perdedores derrotara a ESO que buscaba aniquilarles, pero ahora ha despertado de nuevo y sólo su regreso a Derry podrá detenerle o matarlos a todos en el camino. El reencuentro será sangriento y con consecuencias inimagibles.

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Hay muchos tipos de traición, pero todas implican el romper la confianza y el causar un daño a la otra persona, a veces de forma consciente, otras no tanto. La forma en que se va preparando esta y el impacto tiene en las personas involucradas es el tema principal de la nueva cinta de Ignacio Ortiz, titulada precisamente “Traición” y que nos enfrenta a nuestras propias heridas y daños hemos causado.

Misela regresa al pueblo que la vio nacer para percatarse de que la tumba siempre ha creído es la de su madre en realidad pertenece a otra persona. Convencida de que su padre la mató decide entregarlo a aquellos le buscan por viejas rencillas relacionadas con negocios ilícitos. El encuentro padre e hija revelará una historia llena de traiciones y amor.

Ignacio Ortiz es un extraordinario guionista que sabe capturar de forma fehaciente el campo mexicano, las motivaciones de sus habitantes y la forma en que enfrentan el día a día, prueba de ello es su participación en cintas como “La Mujer de Benjamín” (Carreras) y, de su propia dirección, “Cuentos de Hadas Para Dormir Cocodrilos”, y en esta nueva película no es la excepción. Nos enfrentamos a un mundo árido, sin vida, donde las cosas pasan porque pasan y donde el destino es imposible de cambiar, aunque si de ocultar. Y no hay que perder a los detalles visuales o no comprenderemos al final muchas cosas, ha destacar aquel nos revela el por qué del nombre de la protagonista.

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La novena cinta de Quentin Tarantino “Érase Una Vez en Hollywood” (Once Upon a Time… in Hollywood) es un homenaje al Hollywood que todos soñamos conocer a través de sus películas, donde la inocencia y la violencia pueden coincidir y donde los sueños de cambio siempre cambian la vida y el destino de todos. Una película que nos muestra el gran amor que tiene el director por el mundo del cine, su proceso creativo y, sobre todo, por el ánimo subversivo que siempre lo ha caracterizado.

A finales de los 60s Ricky Dalton sólo puede ver como su carrera está en declive, condenado a ser el villano en pilotos de series televisivas, solo mantiene la cordura por su amistad con su doble. A través de su amistad y su vida en Hollywood somos testigos del fin de una era.

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Hace quince años se estrenó “Como Si Fuera La Primera Vez” (50 First Dates Segal) protagonizada por Adam Sandler y Drew Barrymore, quienes sorprenderían con su química en pantalla, logrando que un disparate no sonará a ello sino a una ingeniosa comedia sobre el amor y el conquistar a tu pareja día a día, si bien nada del otro mundo, la película lograría hacerse de un público fiel y que al día de hoy le recuerda con afecto. Ahora, en 2019, se estrena el refrito México-Dominicano, el cual resulta un patético intento de tropicalizar la cinta original, con actores que se muestran incapaces de transmitir algo y un director que jamás encuentra el tono de la misma.

Luci sufre un accidente que le impide crear memoria a corto plazo, cada noche, al dormir, sus recuerdos se resetean y vive eternamente en el día de su evento, sin recordarle. Diego le conoce de forma fortuita e impactado por su belleza se decide a conquistarle, aunque ello le lleve a encontrar la forma de hacerlo en menos de 24 horas cada día.

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Cuando hablamos del director Danny Boyle hablamos de un estilo propio, incluso podríamos distinguir sus movimientos de cámara, sus letreros grandilocuentes y también los típicos flashbacks, todos estos no son iguales a los de otros directores. Películas como “Quiero ser millonario” (Slumdog Millionaire 2008), “Exterminio” (28 Days Later 2002) y “127 horas” (127 Hours 2010), por mencionar algunas, cuentan de la forma de narrar una historia y sabemos perfectamente que son de él.

Richard Curtis es un guionista que sabe la manera de contar una comedia romántica como ningún otro. Proyectos como “Un lugar llamado Nothing Hill” (Nothing Hill 1999), “Realmente amor” (Love Actually 2003) y “Cuatro bodas y un funeral” (Four Weddings and a Funeral 1994) han sellado un estilo guionístico para este género. Cuando vemos a estos dos juntos en un proyecto, sabeemos que será una bomba.

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Las cintas sobre deportes siguen una línea básica y que pocas veces se rompe, siempre seguimos como el protagonista alcanza la fama, la pierde y cómo recupera el amor al deporte al recordar lo que éste significa, buscando crear una cinta motivante que lleve a la gente a superar sus propias adversidades. “Diamantino” no es la excepción, aunque si lo es, no estamos ante la habitual cinta deportiva sino ante una surrealista cinta donde el fútbol en realidad pasa a segundo plano mientras nos adentramos en los horrores del mundo moderno.

Diamantino es la estrella más grande del fútbol de Portugal, pero cuando en pleno mundial sufre una lesión y falla el tiro ganador su vida cambia radicalmente. Sus hermanas, quienes lo mantienen engañado, lo usan para explotar su imagen con fines políticos y económicos, pero la llegada de un joven inmigrante a su vida le muestra el mundo se está perdiendo.

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“Historias de miedo para contar en la oscuridad” (“Scary Stories to Tell in the Dark”), adaptación basada en las historias de los libros homónimos de Alvin Schwartz, es dirigida por André Øvredal y cuenta con la participación de Guillermo del Toro como productor.

La cinta nos cuenta la historia de tres amigos, Stella, Auggie y Chuck, quienes en una noche de Halloween deciden vengarse del bully del pueblo, Tommy; pero cuando éste decide perseguirlos, el trío se refugia en el carro de un joven extraño, Ramon. Al ser Halloween, a Stella se le ocurre visitar una casa embrujada, donde se decía que la hija menor de esa familia, Sarah Bellows, atraía a niños para contarles historias y luego matarlos. Dentro de la casa, Tommy termina encerrando a todos como venganza por la broma. Stella toma la (no muy sensata) decisión de tomar el libro de historias de Sarah; a partir de ese momento, ellos tendrán que buscar la manera de sobrevivir.