Una de las películas que estuvo a punto de entrar al terreno de lo mítico en el cine mexicano es “Ana y Bruno”, cinta animada de Carlos Carrera, basada en la novela “Ana” de Daniel Emil, la cual fue anunciada desde el 2010 y que ha atravesado diversas complicaciones para por fin poder llegar a las pantallas mexicanas, descubriéndonos quizá la mejor cinta animada de la historia de México a la fecha.

Todd Haynes es un director polémico, ubicado por muchos como uno de los principales exponentes del New Queer Cinema, su cine en muchas ocasiones sacrifica una narrativa fluida por un preciosismo visual que pareciera muchas veces le interesa más que el crear una película donde la historia este sobre el aspecto visual. Tras la fallida "Carol(2015) regresa con “Wonderstruck”, la cual resulta una agradable sorpresa que logra equilibrar (o casi) lo visual con lo narrativo.

Wonderstruck"

1927 Rose abandona la casa de sus abuelos para ir a Nueva York y buscar a su madre, una prestigiosa actriz de cine y teatro. 1977, Ben, huye de casa en Minnesota tras la muerte de su madre decidido a encontrar a su padre, a quien no conoce, en Nueva York. Las dos historias comparten puntos en común que les hacen coincidir en emociones y sensaciones.

Director: Todd Haynes

Guión: Brian Selznick basado en su novela homónima

La comedia se ha vuelto el género preferido por los realizadores mexicanos para intentar asegurar así una taquilla que les permita recuperar lo invertido y seguir adelante. Desafortunadamente el exceso de lo mismo comienza a cansar no sólo al espectador sino en las tramas que parecen copiarse unas a las otras, siendo pocas las que buscan, sin inventar el hilo negro, apostar por historias que se alejan un poco de la fórmula. Tal es el caso de la Opera Prima de Hugo Lara, “Cuando Los Hijos Regresan”.

Cuando Los Hijos Regresan

Manuel y Adelina son unos padres ya jubilados que viven tranquilamente sus vidas sin muchas preocupaciones. Por diferentes circunstancias, los tres hijos del matrimonio, independizados hace tiempo, tienen que volver a vivir con ellos. La paz que reinaba en la casa desaparece y Manuel y Adelina trazan un plan para echar a los chicos de la casa y recobrar su vida.

Director: Hugo Lara

Guión: Hugo Lara / Claudia González-Rubio

Michel Hazanavicius saltó a la fama internacional con su cinta “El Artista” ( The Artist 2011) la cual rendía tributo al cine silente al recrear una película de esos años, con todos los elementos técnicos y narrativos, ganadora del Oscar a Mejor Película. Ahora, regresa con “Le Redoutable”, cinta que nos narra un pasaje en la vida de Jean-Luc Godard, la cual ha desatado de nuevo la polémica y los aplausos.

Le Redoutable

Jean-Luc Godard conoce a Anne Wiazemsky y queda prendado de ella de inmediato. Su relación comienza a deteriorarse cuando los sucesos del mayo de Paris toman lugar, llevando a la pareja a alejarse cada vez no sólo entre ellos sino de lo que buscan en la vida.

Director: Michel Hazanavicius

Guión: Michel Hazanavicius

Basado en la novela “Un an après” de Anne Wiazemsky

Yorgos Lanthimos es un director que ha conquistado a las audiencias mexicanas quienes encuentran en su cine un escape a la realidad sin dejar por ello de ser conscientes de los horrores del mundo moderno, ahora con el estreno de su nueva cinta, “The Killing of a Sacred Deer” vuelve a descontrolar al espectador y confrontarle con sus filias.

The Killing of a Sacred Deer

Steven es un eminente cirujano, casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un joven de dieciséis años, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.

Director: Yorgos Lanthimos

Guión: Yorgos Lanthimos / Efthymis Filippou

Con el gran éxito que fue “La Mujer Maravilla” (Wonder Woman) las expectativas de “Liga de la Justicia” (Justice League) se incrementaron, las cuales aumentaron más cuando se anunció que Zack Snyder dejaba la versión final en manos del estudio por cuestiones personales y que el director que le sustituiría para filmar nuevas tomas sería Joss Whedon, pero lo que llega a pantallas es tan pueril y absurdo que de nuevo se queda en promesa de lo que pudo ser algo increíble y se le niega la oportunidad de serlo.

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Una de las cintas que han tomado por sorpresa a los espectadores del Foro Internacional de la Cineteca Nacional es “Nocturno” del también dramaturgo Luis Ayhllón, una cinta sórdida, dolorosa y llena de detalles que involucran al espectador en una dura situación. Este segundo largometraje del director es un cúmulo de emociones que no deja a nadie sin ser sacudido.

En cineNT tuvimos la oportunidad de charlar con él y preguntarle sobre la cinta y su trabajo, los invitamos a leerle:

01 “Nocturno es tu segundo largometraje para cine, ¿Cómo ha sido el camino para llegar a él?

Todo comenzó como una necesidad conjunta de Víctor Machiavelo, Irela de Villers y yo, de hacer un cine honesto en todo sentido. Nosotros tres ya habíamos trabajado en teatro y existía la confianza para hacer algo como "Nocturno”. Para ello tuvimos a los mejores colaboradores.

Primero que nada, los actores, gente de teatro, quienes brillan por su imaginación y experiencia, y que son una base sólida para cualquier empresa de este tipo.

Por otro lado, un excepcional equipo tras la cámara. Alex Argüelles, el fotógrafo, es un obsesionado por el detalle. Charlar de películas con él fue un deleite. Y aquí nació la complicidad, del amor por las películas. Volvería a trabajar con él, sin duda. Antonio Ruiz de Nicolás es un apasionado de su trabajo. Es el único postproductor que he conocido que está al pendiente de todo el proceso, a grado tal de llevarse su equipo a la locación y no separarse de la cámara. Carlo Ayhllón es un compositor muy completo. Lo mismo podemos hablar de Ligeti u Olga Neuwirth, que de Jonny Greenwood o King Crimson, y a la vez desarrollar un lenguaje muy personal. Roberto Zamarripa es un artista de Jalisco cuyo trabajo dotó a “Nocturno” de una atmósfera de ensueño. Gerardo Muñoz es un maquillista vehemente. Algún día me encantaría hacer una película de monstruos con él (aunque de alguna manera “Nocturno” lo es), su taller estaba lleno de alienígenas y extrañas figuras en látex. Mi otro hermano, Xavier, narrador dueño de una voz desoladora, le dio vida a los cuentos de Ana y durante la filmación no paraba de reescribirlos y probarlos con Irela. Como ves, es un proyecto de familia. Y en este sentido, quiero mencionar a mi hija Estefanía, quien trabajó en el departamento de arte y por primera vez en una película. Compartir esta experiencia con ella fue una de las cosas más bellas que me han sucedido.

Desde el punto de vista de producción, Tere García y Luis Rojo, viejos amigos y colaboradores, hacen que uno como director se sienta todo el tiempo protegido.

02 Si bien no vives en México tus películas han sido filmadas aquí, ¿por qué regresar a hacer cine a México y no fuera de él?

Casi todo mi trabajo tiene como contexto México. Aunque he escrito cosas ubicadas fuera de mi país, siempre regreso a él. Es inevitable y necesario. Sobre filmar afuera, aún no se ha dado la oportunidad, aunque tengo varios proyectos en desarrollo.

03 Cuando eras estudiante recuerdo las largas charlas que había en la Cineteca Nacional y lo que podría ser el presentar una película en el recinto, hoy que estrenas en la ciudad de México tu cinta Nocturno, y que lo haces dentro del Foro Internacional de la Cineteca, ¿cuál es tu sentir y pensamientos?

Como bien sabes, la Cineteca era nuestra segunda casa. La primera vez que fui a una Muestra tenía 12 o 13 años. Por eso es un gran honor haber sido considerado para el Foro.

04 Si bien tienes ya un gran prestigio como dramaturgo, muchas veces al pasar por el cine es un borrón y cuenta nueva, ¿de qué forma te ha ayudado para impulsar tus proyectos cinematográficos toda tu labor en el teatro?

Todo mundo hace planteamientos perentorios sobre la naturaleza de cada uno de estos lenguajes. Sin embargo, ser director de cine ha sido una extensión natural de mi carrera como dramaturgo.

05 Tus tres películas son diferentes entre sí, además no son tampoco representativas de lo que haces en teatro, ¿en qué momento elegirás el género cinematográfico donde más deseas experimentar o aún falta mucho para que comiences a plantearte esto?

Son tres películas completamente diferentes. El estilo a veces es peligroso, de ahí que últimamente prefiera dejar de lado algunos elementos que puedan resultarme conocidos.

En cuanto a la segunda parte de tu planteamiento, por un lado, la experimentación desaforada, casi siempre es un reflejo del diletantismo más ingenuo. Sin embargo, no está mal ser un diletante, cada proyecto te lleva a un universo distinto y a aprender cosas que nunca hubieras imaginado. Y eso nunca se termina.

06 ¿Cuál es el principal reto que has encontrado para distribuir tu cine en México y fuera de él?

La distribución en México es un misterio para mí. La mejor plataforma, para cierto tipo de cine, son los festivales.

07 ¿Qué depara el futuro a Luis Ayhllón?

Por el momento desarrollo cuatro proyectos, dos en español, uno en inglés y el otro en francés. Van lentos pero seguros.

08 Una de las características de tus otras cintas y tu trabajo en teatro son la gran cantidad de diálogos que tienen, ahora en NOCTURNO los limitas casi al mínimo, ¿a qué se debe el cambio?

A la necesidad de explorar el silencio.

09 Podrías platicarnos un poco sobre el estilo de fotografía usas en esta ocasión, por momentos el blanco y negro más que ser ello parece un juego de ausencia de colores, ¿cómo llegas a esa decisión visual?

Alex Argüelles y yo hablamos mucho de este tema. Curiosa tu percepción de la ausencia de colores pues Alex prefirió espacios muy coloridos, de manera que la corrección de color tuviera una gama más amplia de grises. En términos de luz y composición, varias veces mencionamos a Vermeer y Ozu, respectivamente. Es la fortuna de contar con un fotógrafo y verdadero artista ya que en el cine abundan los vendedores de alfombras.

La elección se debió a la sensación que tengo al observar películas en blanco y negro, que desde mi punto de vista, parece como si alguien las soñara.

10 ¿Cómo llegamos a esa canción de Lucía Méndez?

La película entera nació de una visión que tuve: esa horrible canción que escuché muchas veces de niño y esa peculiar familia bailando con verdadero deleite. Creo que estaba deprimido (risas).

11 La secuencia animada de la cinta es de una sutileza y una violencia que sacuden e impactan, ¿cuál fue el proceso de escribirle y de llevarle a la pantalla? ¿Por qué acudir a esa persona le realizó y no otra?

Cecilia Pego es una de nuestras mejores artistas gráficas. Su universo era óptimo para la película, sin embargo, hubo que adaptar su trazo al universo de Ana, quien no es una dibujante profesional. Por esta razón, la animación fue trabajada por Alex, a partir de los diseños de Cecilia, pero con un trazo quizás informe a petición mía.

Desde el punto de vista conceptual, mi intención era lograr por medio de una mayor abstracción las atmósferas infantiles requeridas.

12 ¿Qué tan catártico fue el escribir una película donde el cáncer ocupa un lugar preponderante?

Fue catártico y doloroso, la muerte de mi madre fue un parteaguas en mi familia, como lo sabes. De alguna manera, “Nocturno” es una despedida.

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