Críticas 2019

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A pesar de que el nombre augura mucha miel sobre hojuelas y un romance de esos que te hacen creer todo es posible al lado de esa persona especial, “El sol también es una estrella” nos demuestra cómo hacer una película romántica donde el romance brilla por su ausencia, se torna en una cinta aburrida y olvidable.

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Octavia Spencer es una de las actrices más carismáticas que existen en la actualidad, su simpatía hace que de inmediato conectes con ella y te interese lo que está realizando, ya sea por sus actitudes, sus acciones o simplemente su manera de sonreír y hacerte sentir que estas con alg

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Las mejores propuestas del cine de terror mexicano no son aquellas que viene respaldadas por las productoras tradicionales de la industria, en son las producciones independientes las que sacan la casta y nos llevan por caminos interesantes, los cuales si bien no perfectos, si logran mostrar algo que puede valer la pena, tal es el caso de “Desde Tu Infierno”, la cual si bien no es para nada perfecta, si tiene algunos detalles interesantes que nos hacen poner la mirada en sus realizadores.

México, 1928, en una hacienda vive Alejandra con su hijo, Santiago, cuidándoles se encuentra el amante de ella, un militar que está pendiente de ellos. Santiago siente la presencia del padre ausente, el cual busca hacerles daño. Poco a poco el misterio se va develando, mostrando que el infierno se encuentra donde uno lo establece.

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En el 2014 se estrenaba una cinta de acción protagonizada por Keanu Reeves, la cual narraba como un hombre perdía el control tras el asesinato de su perro y el robo de un automóvil de colección que poseía,Otro Día Para Matar” (John Wick) la cual sorprendería a todos con sus trepidantes secuencias de acción, una secuela era obvia y en 2017 “John Wick 2” (John Wick: Chapter 2) llegó, mostrando que había mucha tela de donde cortar y ahora, en 2019, llega “John Wick 3: Parabellum” (John Wick: Chapter 3 – Parabellum) la cual podría quedarse desde ya con el título de la Mejor Cinta de Acción del Año.

John Wick busca tomar ventaja de la hora le dieron antes de que se active el contrato por su cabeza. Su huida le lleva a utilizar los salvoconductos ha acumulado a través de su vida, los cuales le llevan a Marruecos, donde tras reencontrar a una antigua compañera, logra contactar a la única persona le puede conmutar su pena de muerte, pero el precio se le pide quizá sea demasiado alto.

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Dirigida por Jesús Torres Torres, “Nadie sabrá nunca” nos retrata un México rural de los años 70s donde vemos a una familia, especialmente una madre y su hijo, encerrados en un mundo limitado; no por las paredes de su casa, sino por la sociedad y el pensamiento de la época.

Con las excelentes actuaciones de Adriana Paz como Lucía, en el papel de la madre; Jorge A. Jiménez como el padre, Rigoberto; Luciano Martínez como el hijo, Braulio y Arcelia Ramírez como la tía paterna, la cinta nos retrata un mundo construido para que todo siga igual, en el cual se rechaza la idea de querer algo mejor y donde la mujer no debería tener voz y voto; al menos, no cuando esto significa ir en contra de los deseos del marido.

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La figura de Maria Callas es una de las más importantes dentro de la Opera contemporánea, nacida María Ana Sofía Cecilia Kalogeropoulos en Nueva York y fallecida el 16 de septiembre de 1977 en París, su potente voz y fascinante personalidad cautivó a todos, siendo quizá la última diva que ha tenido la opera mundial. Sobre su figura se han escrito libros, hecho películas, ficciones y documentales, obras de teatro, todas buscando capturar su esencia, y ahora nos llega “Maria por Callas: En sus palabras” (Maria par Callas), primer atrevimiento fílmico del fotógrafo Tom Volf, el cual es un fascinante viaje al mundo interior de la cantante.

Utilizando no sólo las típicas tomas de stock conocidas hasta el cansancio, sino apoyándose en una gran cantidad de material inédito, propiedad de los herederos de la diva, que dota de una vida única el trabajo, el cual no sólo utiliza fotografías y películas caseras, sino que recurre a cartas y a sus memorias sin publicar, las cuales nos develan a la mujer, al ser humano, tras la figura de la diva mítica.

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Las películas donde una familia se interna a un lugar aislado en el bosque y son perseguidos por un loco que quiere asesinarles uno a uno abundan, la trama se usa por lo menos en un par de cintas al año, el cansancio que provoca el saber de antemano lo que ocurrirá hace que muchas veces huyamos de ellas, que no nos acerquemos, la cinta “El Viene Por Ti” (He’s Out There) es una de ellas, pero, por una ocasión, en lugar de escapar deberíamos meternos a la sala de cine y dejarnos seducir por su atmósfera y aterrarnos por lo que sucede.

Laura llega con sus dos hijas a una cabaña en medio del bosque para pasar unos días, acompañada de sus dos hijas, y en espera de su esposo que les alcanzará en la noche. Al llegar uno de sus vecinos les comenta que antes vivía ahí una familia pero que el hijo había desaparecido en el bosque. En lo que esperan llegue su padre las niñas encuentran un hilo rojo que les lleva a una fiesta de té en el lugar, con muñecos semejando personas y dos pastelillos, los cuales toman. Al anochecer son asediadas por un misterioso hombre encapuchado empeñado en hacerlas parte de su familia.

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Cuando Nintendo sacó un videojuego donde tenías que capturar extrañas criaturas, pokemones, y entrenarles para luchar contra otras similares, jamás se imaginó que estaba sentando las bases de un grupo de fans devotos a rabiar, capaces de seguir cada nuevo y de conocer cada característica de estas criaturas. Tras haber dado el salto a una exitosa serie de televisión, ahora llega el turno de conquistar las pantallas cinematográficas con “Pokemon: Detective Pikachu”, una entrañable aventura para los fans de estos seres.

Cuando Tim Goodman llega a Ryme City para recoger las pertenencias de su padre, un detective fallecido en un accidente automovilístico, descubre que éste tiene un Pikachu, el cuál sufre amnesia, y tras tomar la decisión de ayudarle a recobrar la memoria y saber la verdad de lo ocurrido a su padre, se encuentra de golpe en una conspiración que puede cambiar la relación entre los pokemones y los seres humanos para siempre.

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Julio Hernández Cordón ha creado con su más reciente largometraje, “Cómprame un Revólver”, estrenado en la Quincena de Realizadores de Cannes 2018, una de las mejores cintas mexicanas de los últimos años, un trabajo que no sólo te sobrecoge con su historia, sino que te impacta visualmente, el cual nos hace añorar verle de nuevo y esperar con grandes ansias su siguiente trabajo.

En un futuro cercano, la población femenina en México ha disminuido, lo que provoca que los grupos paramilitares que gobiernan distintas zonas del país busquen a todas las niñas para tenerlas bajo su control. Huck vive con su padre en un camper, al lado de un estadio de baseball en el desierto, donde los narcos van a practicar, disfrazando su identidad para que no se la roben, pasando los días en un mundo de fantasía y fatalidad.

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El cine de horror se encuentra de capa caída, las producciones están dejando cada vez mucho que desear y sólo algunas producciones independientes logran sacar la casta, pero aquellas apadrinadas por grandes estudios han resultado insuficientes, tal es el caso de “Nosotros” (Us), segundo largometraje de Jordan Peele quien, de nueva cuenta, intento de poner al día el cine de terror combinándole con algunas ideas de ciencia ficción, destrozando cualquier intento con un humor simplón que simplemente impide la cinta llegue a donde podría hacerlo.

En 1986 Adelaide sufre una situación dramática en un parque de diversiones de la playa de Santa Cruz. California. En el presente ella y su familia, marido y dos hijos, se encuentra de regreso en el lugar, al anochecer descubren que son asediados por personas idénticas a cada miembro de la familia, quienes buscan eliminarles. El sobrevivir y escapar de la zona se convertirá en su única salida.

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Soles Negros” es uno de los documentales que se volverán importantes y esenciales para comprender lo que pasa en el México que no es el turístico y bonito, para comprender la grave crisis de inseguridad en que se encuentra sumido el país y la forma en que afecta a los ciudadanos de a pie, aquellos que no son funcionarios públicos o que tienen los reflectores en ellos, los que tienen que padecer la injusticia.

El documental dirigido por el canadiense Julien Elie recorre cinco de los 32 estados de México, retratando clases emblemáticos que involucran desaparecidos o asesinados a manos del crimen organizado o autoridades, creando un mosaico que lastima, que puede arrancar la inocencia en el tema a aquellos que se enfrentan a esto por primera vez. Y ese es el mayor acierto del trabajo, el acercar estos temas a aquellos que no saben nada, rompiéndoles la burbuja en la que viven.

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Jair Cabrera es uno de los fotorreporteros más importantes de México, su trabajo ha logrado aparecer en periódicos como El País, así como una de sus fotografías ser incluidas por la Revista Time como una de las 100 más importantes del año 2015. Su trabajo y visión de la Ciudad de México es capturada en el documental “Disparos” de Rodrigo Hernández Tejero y Elpida Nikou, el cual le sigue a través de su cotidianidad, logrando un trabajo que se convierte en un testimonio de la pérdida de la inocencia en el país.

El documental arranca con Jair en su barrio de Iztapalapa, retratando a los amigos que ahora portan armas y se dedican a negocios inconfesables –aunque insinuados- ante la cámara. Somos testigos de cómo se involucra en algunas actividades de los Faros de la capital, tratando de involucrar a los chicos de la colonia en actividades que les saquen de la miseria que impone el lugar.

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Al inicio del documental de Luke Lorentzen, “Familia de Medianoche” se informa que en la vanguardista Ciudad de México se cuenta con 45 ambulancias de parte del gobierno para atender las necesidades de toda la población, lo que hace que surjan diversos grupos privados que manejan ambulancias particulares para cubrir el vacío que hay. Es así como conocemos y seguimos a la familia Ochoa, quienes noche tras noche se dedican a buscar personas accidentadas y así trasladarles a hospitales, privados en la mayoría de los casos, y así cobrar el servicio prestado.

Familia de Medianoche” es dirigido con una mano bastante acertada por Lorentzen, quien logra balancear de forma inusitada diversos levantamientos que realizan en las calles de la ciudad con la interacción que tienen entre sí los miembros de la familia y destellos de su vida cotidiana, pero es más interesante lo que se puede apreciar en el candor de lo documentado y que puede pasar inadvertido.

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Hay pocas películas a las que podemos calificar de magistrales sin temor a equivocarnos, “Vengadores: Endgame” (Avengers: Endgame) es una de ellas. Si Infinity War nos impresionó con su habilidad para reunir a los personajes, dar su momento a cada uno sin abusar del protagonismo y entregar una batalla espectacular contra uno de los mejores villanos de todo el universo cinematográfico Marvel, su continuación va más arriba superando todas nuestras expectativas; sin duda, los hermanos Russo han dado un cierre épico, digno y, efectivamente, magistral a este viaje que ha durado once años y 22 películas.

Lógicamente, “Vengadores: Endgame” funciona como una continuación de “Infinity War”, sin embargo, logra expandir su propia premisa, es decir, la incógnita principal (el gancho) sobre si los Vengadores podrían revivir a sus compañeros desvanecidos con el chasquido infinito, se abre para sumergirnos en una misión sin precedentes en el MCU y elaborar una historia que se replantea desde los primeros minutos.

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Guardando las debidas proporciones podemos asegurar que “Vengadores: Infinity War” es el equivalente a “El Señor de los Anillos. La comunidad del Anillo” dentro del universo cinemático de Marvel, todos recordamos la emoción con la que la recibimos, con la que la gozamos, pero también recordamos que al ver “El Señor de los Anillos. Las Dos Torres” de inmediato tuvimos que reconocer su secuela era infinitamente superior en cada aspecto. Y podemos asegurar lo anterior porque “Vengadores: Endgame” (Avengers: Endgame) comparada a la cinta anterior de los superhéroes es superior en cada aspecto.

Y si quieren llegar completamente vírgenes a la función que les corresponde de la cinta, dejen de leer en este momento, regresen cuando la hayan visto. Advertidos están.

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Robert Redford es un ícono, una leyenda, uno de los nombres que estarán asociados por siempre a la historia del cine, dueño de un carisma brutal, de una sonrisa irresistible, protagonista de cintas clásicas, por lo que cuando anuncio que “Un Caballero y Su Revolver” (The Old Man & the Gun) sería su último trabajo cinematográfico, de inmediato se pusieron los reflectores sobre ella, y es asombroso que le haya escogido, como un epílogo perfecto a su carrera.

Forrest Tucker es un hombre de 61 años que es buscado por la policía desde que escapara por 16 ocasión de donde estaba detenido, dedicándose al robo elegante de bancos, siempre usando la misma táctica, sin violencia, sin herir a nadie. Tras su pista se encuentra un joven policía que ve frustrados sus intentos cuando el FBI toma el caso y logran tenderle a una trampa a Tucker para detenerle, pero es difícil mantener a alguien donde no se desea y fuera de sus hábitos.

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Cuando al término del documental de John Alexander, “This is Love”, el centro de atención del mismo, el músico Rudy Love, le confiesa al director que el regreso a Wichita es volver a casa y vemos como el cúmulo de emociones lo golpea y desarma, no podemos más que comprender que el regreso a los orígenes siempre será una pesada carga donde a la vez que te recuerda dónde estás te hace recordar a dónde has llegado. Un momento que engloba perfectamente el viaje emocional que ha sido la película.

Rudy Love es un músico negro ligado al movimiento funk que ha inspirado a diversos cantantes y compositores, no sólo por su labor musical sino porque siempre se ha rodeado de familia, lo que hace que sus conciertos se conviertan más en una experiencia sensorial de amor y apoyo, que sólo de virtuosismo musical.

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Escrita y dirigida por Mamuro Hosoda, “Mirai, mi pequeña hermana” cuenta la historia de cómo Kun, un niño de 4 años, debe de adaptarse a ser el hermano mayor y todo lo que esto conlleva, incluyendo el entender el cambio de prioridades de sus padres y de todos los que lo rodean.

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Una de las leyendas mexicanas más antiguas de las que tenemos memoria es la de “La Llorona, los orígenes de la misma se pueden rastrear a la época anterior a la invasión europea, quedando asentada una primera aparición en lo que se conoce como los presagios funestos que anunciaron al imperio azteca la caída del mismo, donde se dice que por las noches se llegaba a oír a una mujer que recorría el lugar diciendo "¡Ay, hijitos míos, tenemos que irnos lejos! ¡Ay, hijitos míos, ¿adónde los llevaré?". Pero la versión que se ha hecho popular y reconocida es la que narra como una mujer indígena es engañada por un español, lo que le lleva a asesinar en un lago a sus tres hijos, producto del amorío con aquel, suicidándose después de ello. Después del hecho se aparecía en las orillas del lago lamentando la muerte de sus hijos. Sobre el tema se han escrito muchos libros, obras de teatro y se han realizado diversas cintas, siendo la más reciente “La Maldición de La Llorona” (The Curse of La Llorona).

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Mimi Leder, directora conocida por su amplia trayectoria en la televisión, así como por sus cintas “Impacto Profundo” (“Deep Impacto”, 1998) y “El Pacificador” (“The Pecemaker”, 1997), nos muestra la historia de una ícono feminista contemporánea; la abogada Ruth Bader Ginsburg y el inicio de la lucha para eliminar la discriminación basada en el género dentro de las leyes estadounidenses.