2020

Cada cierto tiempo, en el cine de terror surgen algunos personajes los cuales se vuelven icónicos y marcan a generaciones. Pero también hay otros quienes, aunque no carecen de atractivo y cierta presencia, parecen destinados a no dejen huella significativa, como es el caso del protagonista de El Bufón (The Jester; Krawchuk y Mercer, 2023), una entidad maligna que aterroriza a los habitantes de un pequeño pueblo en la noche de Halloween, haciéndoles ver su suerte y pagar por sus peores pecados.

Si bien su primera parte no fue un gran éxito, este silencioso pero mortal ente resultaba interesante por su presencia y diseño, como si fuese una especie de payaso del mal (figura recurrente en el género, por cierto). Es así que, tratando de darle un tratamiento similar a la saga gore de bajo presupuesto Terrifier (Damien Leone, 2016 -2026), el Bufón vuelve de la mano de uno de sus directores originales, Colin Krawchuk, para revelar el origen de este ser. 

La ciencia ficción nos confronta con nuestros dilemas como humanidad, pero también nos señala caminos posibles. En la década de los 50 (y derivado de la segunda oleada de terror rojo en contra del comunismo), Hollywood había usado ese recurso narrativo para temerle a los “alienígenas” quienes venían a conquistarnos o destruirnos.

Fue en la década de los 60 que el género viró hacia otra vertiente en la cual, gracias a un grupo de exploradores de diferentes razas, edades y hasta especies, decidió valientemente ir a donde nadie ha ido jamás en Viaje a las Estrellas (Star Trek) de Gene Rodenberry. Tras la carrera espacial y el aterrizaje (o no) en la Luna, muchas obras centraron su mirada en una población saturada de comerciales y obsesionada con la inmediatez, en la que los robots y androides nos superan gracias a su inteligencia superior. 

Si hay cintas inspiradoras en cualquier sentido, éstas son las deportivas. Ya sean de fútbol (soccer o americano), basquetbol o beisbol, siempre hay historias que representen el sueño imposible alcanzado por un individuo quien tenía todas las de perder (Rudy, Anspaugh, 1993) o de algún equipo el cual da vuelta a los infortunios para convertirse en ganadores (Duelo de Titanes, Yakin, 2000) e incluso algunos donde se demuestra que triunfar no es sinónimo de ser el mejor en todo (Campeones, Fesser, 2018). 

A ellas se suma ahora una animación de Tyree Dillihay titulada La cabra que cambió el juego - GOAT, producida nada menos que por el jugador de la NBA Stephen Curry, y ligeramente basada en sus propias experiencias cuando pasó de ser un rival subestimado a convertirse en el mejor tirador a distancia de la liga de basquetbol. Su protagonista es Will Cabrera, una cabra con un toque especial para el Rugibol, una extraña mezcla entre baloncesto y rugby, quien sueña con llegar a las grandes ligas y demostrar su valía.

 La adaptación de novelas al cine no solo es algo muy cotidiano, sino incluso, a lo largo de la historia del séptimo arte; han existido escritores cuya obra ha dejado profunda huella, como Stephen King y sus relatos dramáticos y de terror, Dan Brown con su arte y conspiraciones… pero también están aquellos románticos empedernidos que han creado narraciones cuyo fin es sacarle las lágrimas a sus lectores. Y a veces, al pasar a la pantalla grande, terminan siendo melodramas, llenos de melcocha en exceso y bastante olvidables.

Tal es el caso de Nicholas Sparks a través de películas como Querido John (Hallstrom, 2010), Diario de una pasión (Cassavetes, 2004) o El viaje más largo (Mandoki, 2015). Y ahora, la autora de moda de los corazones rotos y los dramas de telenovela es Colleen Hoover quien, con No te olvidaré, suma otro título a su colección de adaptaciones que, a pesar de su ya probada fórmula lacrimógena, no resulta tan mala.

A principios de febrero, en la cartelera se pudo ver el filme de drama y aventuras postapocalípticas El día del fin del mundo: Migración (Greenland 2: Migration), dirigido por el cineasta estadounidense Ric Roman Waugh. Ahora, este último regresa a pantallas nacionales con otro trabajo, donde el estelar es nada menos que el actor británico Jason Statham.

En El guardián: último refugio (o Shelter en su título original), Statham encarna a Mason, un callado y solitario hombre quien funge como guardafaros en una remota isla escocesa, donde vive únicamente acompañado por un perro al cual ni siquiera se ha molestado en ponerle nombre. Las únicas visitas que recibe son las de un conocido suyo y de Jessie (Bodhi Rae Breathnach) sobrina de este último, quienes le llevan víveres ocasionalmente.

Un pequeño grupo de mujeres llega al extinto Departamento del Distrito Federal a solicitar un permiso para realizar una serie de eventos en la vía pública. Son atendidas por un señor entrado en años, quien les hace preguntas de rutina sobre sus actividades para terminar otorgándoles el permiso, convencido de que solo van a hacer un "festival doméstico".

Pobre hombre; nunca se imaginó que estaba firmando la autorización para que alrededor de 20 mujeres salieran por primera vez a las calles a exigir aborto seguro para todas.

A cuatro décadas de su fundación oficial y después de 30 años de su primera producción la cual nos enseñó que los juguetes pueden ir al infinito y más allá con Toy Story (Lasseter, 1995), los estudios Pixar sin duda han dejado huella en el universo de la animación. Con 23 Premios de la Academia y 10 Globos de Oro acumulados durante ese tiempo, en tiempos recientes el estudio parecía haber perdido el buen ritmo y la originalidad, ya fuese por la sequelitis aguda de Hollywood o por la falta de fuerza en sus nuevos relatos con algunos chispazos espontáneos.

Ahora, parece haber recuperado el rumbo gracias a una peculiar comedia con mucho corazón y un mensaje ambientalista concibiendo una fábula moderna llamada Hoppers: Operación Castor (Hoppers, Estados Unidos, 2026), donde Daniel Chong, el director de la serie de Cartoon Network, Los Escandalosos (We Bare Bears), demuestra que lo suyo son los animales esponjaditos y el buen sentido del humor.

A veces el cine funciona como un testigo de la historia, como captor de la memoria de hechos históricos, de momentos, de instantes e incluso de esos relatos que cada uno vive de diferente forma. Tal es el caso de la cinta dirigida por Marité Ugas y Mariana Rondón, Aún es de noche en Caracas (México-Venezuela, 2025).

Basada en la novela La Hija de la Española de Karina Sainz Borgo, la narración sigue a Adelaida (Natalia Reyes), una joven quien vuelve a su querido Caracas a enterrar a su madre, la cual coincide con uno de los momentos más duros de su país: las protestas venezolanas del 2017, un hecho marcado por la represión estatal, la censura y una violencia que dejó varios muertos. Todo ello derivado de una dura crisis institucional a raíz de la desaparición de los poderes políticos, dejando todo a disposición directa del presidente nacional.

Por: José Antonio Valdés Peña

Un joven sirio acepta convertir su cuerpo en el lienzo viviente de un tatuador reconocido para conseguir el dinero necesario y emigrar a Europa. Tras una agresión sexual, una joven mujer tunecina atraviesa el infierno de la burocracia en busca de justicia. Una cineasta sigue el rastro de un agresor sexual el cual, a bordo de una motocicleta y armado con una navaja de afeitar, agredió a varias mujeres en las calles de Túnez. La madre de dos hijas, quienes se sacrificaron por el radicalismo religioso, siente cómo estas reviven gracias a la ficción que se funde con un documental sobre su tragedia.

El cine independiente continúa aportando narraciones atractivas como es el caso de Arco (Francia-Estados Unidos, 2025) largometraje animado dirigido y coescrito por Ugo Bienvenu estrenado en el pasado Festival de Cannes, y obtuvo una gran aceptación en uno de los certámenes más importantes del género: el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy. No es de extrañar, pues el resultado de esta historia creada por el mencionado ilustrador y creador de novelas gráficas, es inspiradora para una generación entera, sumida en la penumbra y la incertidumbre en la cual se vive hoy en día.