2020

Las películas de ciencia ficción pueden resultar fascinantes por sus propuestas temáticas, por su retrato de la sociedad, por lo que implica la conquista del espacio o los alcances tecnológicos que se auguran, desafortunadamente, en los últimos años, parece que lo único importa es el tamaño de los efectos especiales y las espectaculares secuencias de acción, por eso se agradece cuando aparecen cintas como “Time Trap: Escape to the future”, la cual a pesar de su ínfimo presupuesto recupera la esencia de esas películas y de paso nos muestra como sorprendernos sin recurrir a giros forzados.

Cuando el profesor de arquelogía Hooper desaparece buscando los restos de sus padres en un sistema de cavernas, Taylor y Jackie, dos de sus alumnos, deciden buscarle, por lo que reclutan la ayuda de Cara quien lleva con ella a su hermana menor Veeves y a su amigo Furby. Cuando llegan a las cavernas y entran en ellas descubren que el tiempo se mueve diferente en su interior y que la fuente de la eterna juventud existe y que hay que pagar un alto precio por ello.

El nuevo trabajo de Everardo González, uno de los documentalistas mexicanos más activos en pantallas nacionales y que ha abordado diversos temas que van desde la creación del pulque a las consecuencias de la impunidad de la violencia en México, es “Yermo” el cual se ha estrenado en el país a través de Ambulante en Casa, la forma en que el Festival Ambulante Gira de Documentales, ha encontrado la forma de frenar su apoyo a este tipo de películas.

“Yermo” nace de la invitación que el fotógrafo Alfredo De Stefano le hizo al director para seguirle mientras desarrollaba su trabajo en diversos lugares del mundo, durante esos viajes el avisado ojo de Everardo le hizo ver que tenía ante él un trabajo único, el realizar un retrato del día a día de diversas personas alejadas de lo que llamamos civilización, aquellos viven en los yermos de México, Mongolia, India, Estados Unidos, Perú, Islandia, Namibia, Marruecos y Chile.

El cine es un espejo en muchos casos de la forma la sociedad piensa en el momento se realiza una obra, refleja sus miedos, sus inquietudes, sus puntos ciegos ante lo que no desea reconocer en el contrario, se vuelve un termómetro de las situaciones molestan y vulneran a la gente, a su sensación de confort, de relajamiento. Una de las cintas más recientes es “La Cacería” (The Hunt) producida por Blumhouse Productions, quien parece empeñada en crear un monopolio en el tema, con resultados variados.

12 personas son secuestradas y llevadas a un lugar donde son cazados por un grupo de paramilitares, su supervivencia depende sólo de su inteligencia y de los errores aquellos puedan cometer. Pero como en la vida diaria, nadie es completamente culpable o inocente.

Seguimos en los estertores de las cintas basadas en comics que buscan encontrar un hueco en el mercado actual, una vez agotadas las estrellas de cada casa editorial, es el turno de aquellos personajes de segunda línea que han creado una base de seguidores fieles, como es el caso de “Bloodshot” publicado por Valiant Comics que conoce su primer versión cinematográfica con resultados interesantes.

Ray Garrison, soldado norteamericano, regresa a casa tras una misión sólo para ser secuestrado, presenciar el asesinato de su esposa y ser asesinado. Poco tiempo después es resucitado y con arreglos tecnológicos por una corporación que le usa para atacar enemigos. Cuando su memoria comienza a resurgir decide abandonar todo por cobrar venganza pero ¿en realidad puede diferenciar lo real de lo que cree lo es?

Samuel Noyola forma parte de los poetas mexicanos desconocidos por las generaciones actuales, protegido de Octavio Paz quien encontró en él una de las voces más importantes de su generación, se encuentra desaparecido desde hace más de diez años sin que se sepa lo que ocurrió con él. La noche lo devoró en apariencia dejando solo su imagen de poeta maldito (bendito dirán algunos) que vivió a su manera y jamás fue domado.

El documental “Vaquero de Mediodía” de Diego Enrique Osorno documenta los intentos del cineasta por encontrar una pista, una señal, que le de indicios de que pasó con él. El director conoció a Samuel Noyola en Monterrey, en 1999. Desarrollando una extraña relación con élcuando en 2009 descubrió que estaba desaparecido comenzó un andar que aún no acaba al día de hoy pero que le ha permitido realizar algo que muchos van a agradecer, el dar a conocer la poesía de Noyola.

Julio Hernández Cordon es un director que continúa sorprendiéndonos con sus últimos trabajos, alejado de la estética que dominó sus primeras cintas, ahora parece empecinado en narrar desde una perspectiva más ligera, más ágil, más atrevida y llena de significados. En su pasada cinta nos presentaba un mundo apocalíptico donde su hija Matilde era la protagonista, y ahora con “Se Escuchan Aullidos” nos presenta a su otra hija, Fabiana, quien deambula en un México actual, tan apocalíptico y distópico que aterra.

Fabiana vive con su madre en los alrededores de lo que fue el lago de Texcoco, sin su padre al lado se dedica a visitar los lugares donde éste creció, acompañada por los fantasmas que le dictan los recuerdos y le muestran el horror de la realidad mexicana.

El fenómeno de la migración es siempre ideal para retratar la situación social, política, económica de aquellos que se ven forzados a irse de sus lugares, dejando familias atrás y mostrando el desolado panorama que resulta de esta situación, es por eso que el documental “Ya Me Voy” es una interesante mirada sobre el mismo, al negarse a caer en los clichés habituales y, en cambio, desnudar el día a día de un inmigrante en Estados Unidos que anhela el regreso a su país.

Felipe Hernández tiene 16 años en los Estados Unidos, dejo atrás a su familia, entre ellos un pequeño bebé que no sabe de él excepto por las llamadas telefónicas y por lo que puede escuchar. El deseo de regresar a su lugar forma parte de su día a día. A pesar de que la gente de la zona lo conoce, que tiene un amorío con una inmigrante del lugar, él jamás deja de recordar su promesa de volver.

Tomando como base la idea de “El hombre invisible” de H.G. Wells, la adaptación de Leigh Whannell, quien toma el papel de director y guionista, nos muestra un escenario actual donde si la tecnología existiera y cayera en las manos de un hombre abusador, el escenario resultaría absolutamente terrible y aterrador para la muy desafortunada mujer que tuviera la mala suerte de ser el objeto de deseo de dicho sujeto.

Más allá de la novela, la cinta de Whannell utiliza como pretexto el aspecto de la ciencia ficción para mostrarnos una alegoría de la actualidad, donde hay hombres que controlan, abusan y distorsionan la realidad de sus parejas, a tal grado que la mujer empieza a dudar de su propia salud mental ya que el nivel de control que ejercen estos hombres llega a tal grado que la pareja se encuentra casi en una situación imposible de romper. Por lo tanto, la cinta empieza precisamente en el punto decisivo donde la mujer se arma de valor y decide escapar de una relación que la está llevando a la locura.

Roman Polanski es uno de los grandes directores europeos de la historia, sus cintas pueden interpretarse de muchas maneras y mantienen una fidelidad a sus inquietudes que resulta siempre agradable encontrar en sus trabajos, su cinta más reciente, “El acusado y el espía” (J'Accuse) nos traslada a finales del siglo XIX para realizar un alegato sobre la injusticia y los errores de la justicia.

En 1984 el capitán del Ejército Francés Alfred Dreyfus fue encontrado culpable de espionaje y enviado a la Isla del Diablo, condenado al aislamiento total. Cuando el nuevo jefe del servicio de contraespionaje, coronel Georges Picquart, descubre indicios de que es inocente, comienza una investigación que le hace desnudar el antisemitismo del ejercito francés, así como al verdadero culpable. Sus pesquisas chocaran contra todos aquellos obstinados a mantener los hechos sin cambio para no afectar la imagen del Ejército francés.

Una figura solitaria avanza en terrenos aún más solitarios, sin que nada se atraviese le vemos llegar a un lugar escondido en el monte, un panal de abejas que se oculta tras una piedra que remueve con cuidado, amparada sólo con una careta retira algunos paneles que llevará a vender al mercado para comprar algunos alimentos para ella y su anciana madre, a quien cuida. Cuando al lado de su vivienda llega una familia con siete hijos y más de cien vacas, su mundo se trastoca, sobre todo cuando el patriarca decide copiar su técnica y dedicarse al cultivo de la miel.

Filmado en Mecedonia, “Honeyland”(Медена земја) es un trabajo que tras su inocente apariencia nos abre a un mundo de interpretaciones, Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov iniciaron este trabajo documentando la vida alrededor del Río Bregalnica pero cuando en su exploración de la zona hallaron los paneles y descubrieron a Hatidže Muratova decidieron centrar el trabajo en su actividad, siguiéndole por tres años y acumulando más de 400 horas de grabaciones. El documental es un fly on the wall mezclado con cinéma vérité, sin usar voz on off o ficcionalizando situaciones, lo que crea un trabajo demasiado honesto y crudo.