2024

Siempre voy a aplaudir las propuestas narrativas dentro del cine mexicano que se arriesguen y busquen abrir nuevos caminos y territorios para lo que se produce en el país, y es que estamos tan acostumbrados a ver comedia romántica o películas de intento de terror como las que buscan conquistar al público que paga su boleto llenando salas comerciales, como el ver películas tan pedantes y pretenciosas, en muchos casos, para llevar a la gente a los circuitos alternativos. Dentro de ese panorama que se estrene una cinta como “El Día Que Cambio Todo” es, por el simple hecho de existir, admirable.

Han pasado siete años desde la noche en que un violento asalto culminó con la muerte de la esposa de Mario, quien ha dedicado los últimos años a buscar a los asaltantes para cobrar venganza. Cuando un encuentro fortuito lo acerca a los perpetradores, su espiral de violencia alcanzará niveles catastróficos, todo mientras él mismo deberá confrontarse consigo mismo para entender hasta donde quiere llegar.

En 2021 estrenaría “Duna”, basada en la novela homónima de Frank Herbert, cinta que decepcionaría a los seguidores de los libros por la forma en que se había mostrado incapaz de atrapar ese mundo y, sobre todo, por la forma en que se había retratado la personalidad de los personajes involucrados (lo que hace con las Bene Gesserit es toda una traición a su esencia, sin mencionar lo que hace con Paul). Ahora, llega su secuela, parte media de una trilogía, la cual mejora indiscutiblemente lo logrado en la primera, con una cinta que no sólo destaca por su parte visual, sino que regresa al libro para llevar la historia a niveles insospechados.

Paul Atreides inicia su entrenamiento con los Fremen, donde adopta el nombre de "Muad'Dib", guiándoles a una lucha contra el enemigo mientras conquista el corazón de Chani. Pero en una galaxia donde la política es todo, las decisiones importantes se deben tomar con la cabeza y no con el corazón.

El cine serie B sigue más vivo que nunca, alimentándose de las mismas cosas de las que se ha alimentado desde el inicio del cine, tramas simplonas, actores carismáticos que la gente ubica por ello, aprovechando las cosas que rodean a sus estrellas, cintas que no buscan reinventar nada, sólo entretener y hacer que la gente acuda a las salas para olvidar el mundo un par de horas. Ese es el tipo de cine en el que pueden existir cintas como “Héroe Por Encargo” (Freelance), protagonizada por John Cena y Alison Brie.

Mason Pettits tuvo que abandonar su vida como miembro de un equipo militar de fuerzas especiales tras una misión fallida, dedicándose a la abogacía, un trabajo que odia y que le ha alejado de su esposa. Cuando un antiguo compañero de armas lo contrata como guardaespaldas para una periodista que irá a un oscuro país latinoamericano, liderado por la persona culpa de muerte de sus amigos, accede con ciertas dudas. Al llegar, se verá inmiscuido en un complot para eliminar al presidente del lugar.

Win Wenders es uno de los directores alemanes más importantes, no sólo ha creado excelentes dramas, sino ha transitado por el thriller, la comedia, el documental músical, el cine de activismo cultural y político, por lo que no sorprende que ahora, en esta etapa de su vida y carrera, su mirada se pose en los pequeños detalles, regresando con “Días Perfectos” (Perfect Days) al minimalismo más puro, volviéndole a hacer un arte.

Hirayama es un trabajador de limpieza de la ciudad, se encarga junto con Takashi de limpiar los sanitarios públicos en Tokio. Sus días transcurren en una sistemática rutina la cual se ve trastocada con la llegada de su sobrina, aprendiendo los dos a entender al otro y, sobre todo, a vivir cada día disfrutando el mundo alrededor.

Si hay un género estrella para la taquilla de películas mexicanas es la comedia romántica, cintas cuya fórmula se ha agotado al cansancio y que continua, en sus estertores, lanzando muchas películas al año, algunas francamente detestables, otras, con mayor estrella y suerte, como es el caso de “Todas Menos Tú”, una película que es todo lo que la abominable adaptación de “La Boda de Mi Mejor Amigos” (2019, Garcia) quiso ser y jamás alcanzó ser.

Cuando Luis les anuncia a sus mejores amigos que va a contraer matrimonio, estos buscaran la manera de impedir la boda, sobre todo Sandra, quien había sido su pareja y que está convencida es su mejor opción, y que, quien parece descubrir que la futura esposa lo engaña, desatando una serie de peripecias donde lo único puede salir dañado, es la amistad del grupo.

En 1985 Steven Spielbeg realizaría su primera película “seria”, “El Color Púrpura” (The Color Purple), un drama basado en la novela homónima de Alice Walker, la cual fue multinominada a premios Oscar llevándose sólo aire en esa ocasión, ahora llega una nueva versión de la historia, adaptando a la pantalla grande el musical creado por Brenda Russell, Allee Willis, Stephen Bray y Marsha Norman, la cual resulta una grata sorpresa.

Celie vive una vida llena de miseria y tragedia desde pequeña, violada por su padre ha quedado embarazada dos veces y sus hijos han sido separados de ella; es vendida a un granjero por animales y es tratada con violencia todo el tiempo; su hermana huye tras el intento de violación de su padre y su pareja. Todo parece sumirle en un círculo sin salida hasta que conoce a la cantente Shug y a Sofia, una mujer que no se permite ser intimidada por nadie.

Un rayo es un espectáculo atemorizante de la naturaleza, el verle a lo lejos puede ser fascinante, pero el trueno y sus consecuencias pueden ser mortales, aquellos que han sobrevivido a su cercanía experimentan diversas consecuencias, físicas y psicológicas, las que cambian su vida por completo. Y no son pocas, se calcula que al año 240 000 personas pasan por esta situación en el mundo, sobreviviendo una cifra cercana al 90%. “Los Impactados”, la nueva cinta de Lucía Puenzo, nos lleva a conocer una de esas historias.

Amanda es una veterinaria que ha sobrevivido a la caída de un rayo al intentar rescatar a una vaca que ha quedado varada en la tormenta. Su proceso de sanación la acerca a un grupo de sobrevivientes y al doctor que les guía para sobrellevar las consecuencias. Pronto ella iniciara un camino para el que, aparentemente, no hay salidas ni retorno.

El término “May December” [título original en inglés de “Secretos de un Escándalo”] se utiliza para hablar de las relaciones de pareja cuya edad es muy dispar, es el equivalente en inglés de usar en México “40 y 20”, concepto popularizado por el cantante José José, y es un título que le queda como anillo al dedo a esta cinta, así que olvidemos el horrendo título en español y quedémonos para esta reseña con el original, una película que levanta polémica y que nos lleva a los caminos de la manipulación de una forma sutil pero demoledora.

Gracie Atherton-Yu y su esposo Joe reciben en sus vidas a la actriz Elizabeth Berry, quien se encuentra preparando una película sobre la forma se dio la relación entre ellos, cuando él era un adolescente de 13 años y ella tenía más de 20 años más que él, la cual al ser descubierta fue plato de tabloides pero que ahora, a más de 20 años, les tiene viviendo como pareja en espera de la graduación de su hija. La interacción entre los 3 revelará secretos que pueden cambiar todo.

Ganadora de la Palma de Oro en la edición del 2023 del Festival Internacional de Cine de Cannes, “Anatomía de una caída” (Anatomie d'une chute) es una de las películas que detrás de una sencilla trama esconde multilecturas que elevan lo que se ve otros niveles, convirtiéndola en una de las películas más interesantes de éste año.

Cuando Samuel Maleski aparece muerto afuera de su casa en los Alpes, su esposa se convierte en la principal sospechosa de ello. Durante un largo juicio, seremos testigos de cómo la sociedad, representada por la fiscalía, juzga y condena basados en las apariencias de todo.

Dirigida por Justine Triet, “Anatomía de una caída” es una película sobre las apariencias, sobre el juzgar el libro por la portada, y la directora crea un intrincado mundo donde nada es lo que parece ser, dirigiendo con una elegancia y una mano firme todo lo que vemos. La forma en que nos involucra como espectadores, como si fuéramos parte del jurado que dictará sentencia, es uno de los grandes aciertos de la cinta.

El cine coreano se encuentra en una etapa muy interesante, la cual le ha permitido estar llegando con cierta constancia a pantallas mexicanas, las cuales se encuentran descubriendo su cine de acción, sus dramas, sus cintas sociales, siendo el turno ahora a “Sobrevivientes. Después del Terremoto” (Concrete Utopia / 콘크리트 유토피아), la cual nos lleva al centro del debate sobre lo que hace prevalezca la humanidad en las personas, sobre que es más importante, sobrevivir a costa de lo que sea o perecer con otros en el intento.

Cuando un devastador terremoto destruye todo a su paso, en Seúl queda sólo un edificio de pie, el cual pronto se convierte en el centro de reunión de sus residentes y los escasos sobrevivientes del desastre, cuando las tensiones entre ambos grupos crecen, pronto los segundos son expulsados, creándose en el edificio una sociedad dispuesta a todo con tal de seguir adelante sin perder las pocas comodidades tienen, lo que conducirá, inevitablemente, a la tragedia.