2016

La nueva cinta de Gustavo Loza, ¿Qué Culpa Tiene el Niño?, confirma algo que se ha venido marcando en sus cintas, cada vez gira más a la derecha en su discurso y cada vez pierde más la gracia y  logra que todo se note forzado, fuera de sitio y se convierta en una tortura para el espectador, mostrando un producto lleno de clichés, aburrido e incapaz de conectar con el espectador.

Un mes después de que fue a una boda y perdió el control a causa del alcohol consumido, Maru se descubre embarazada. Tras buscar a la persona con la que recuerda paso la noche ese día, decide seguir adelante con sus planes de abortar pero la insistencia de él y la reacción de sus padres le hacen tener al bebé. Mientras tanto comienza a conocer al chico con el que tuvo la noche de pasión, descubriendo que el amor no conoce de clases sociales ni estudios.

Basada en un hecho real acontecido en Argentina en 1984, el asesinato de un hombre dueño de diversas carnicerías a manos de uno de sus empleados, llega la cinta El Patrón. Radiografía de un Crimen, primer cinta de ficción del documentalista Sebastián Schindel, quien realiza, tal y como nos dice en su título, una radiografía de la relación abusiva entre un empleador y su trabajador, haciendo una análisis sociológico sobre las relaciones de poder entre empleadores y trabajadores.

Hermógenes Saldívar es un santiagueño que deja su provincia para buscar mejores oportunidades en Buenos Aires, donde se instala con su esposa. Pronto consigue trabajo como asistente de carnicero y ascendido a encargado de local donde se entrena en el arte de vender carne podrida mezclada con fresca bajo la supervisión se su patrón, quien desarrolla una relación abusiva sobre ellos. Pronto la presión y la lucha llegan a un punto límite.

Pocas veces el título de una cinta de terror puede ser tan premonitorio como lo es Del Otro Lado de la Puerta (The Other Side of the Door) ya que una vez te encuentras viendo la cinta, lo único deseas es estar del otro lado y ya no seguir viendo una cinta tan predecible, tan mal dirigida y que no provoca más que bostezos.

Maria y Michael se han establecido en la India, donde viven con sus dos hijos. Cuando un desafortunado accidente automovilístico toma la vida de su hijo, ella se sume en una depresión brutal que le lleva a acudir a fuerzas sobrenaturales para sobrellevar su perdida, claro esta que esta situación se saldrá de control y regresará el alma de su hijo, la cual se irá corrompiendo cada vez más hasta poner en riesgo a  todos a su rededor.

El documental de Guadalupe Sánchez Sosa, La Primera Sonrisa, parte de buenas intenciones, principalmente la de mostrar al mundo lo que significa ser partera en el mundo actual, donde los doctores sólo atienden en hospitales y donde las técnicas modernas muchas veces sólo disfrazan un negocio que se alimenta de cada recién nacido. Desafortunadamente, un montaje apático, un sentimiento de que no se va a ningún lado y, sobre todo, la incapacidad de transmitir lo que se quiere al espectador, lo hacen aburrido, sin sentido y completamente olvidable.

Tomando como partida un encuentro entre parteras realizado en México, convocado por  Naolí Vinaver, antropóloga y partera, quien desde 1987 ha acompañado a más de mil 400 mujeres en sus partos domiciliarios, al cual acudieron personas de diversos países y culturas, dentro de éste encuentro no sólo atestiguamos la experiencia de las parteras sino testimonios de personas que han optado por esta forma de parir, siendo emotivo pero vacío lo que se muestra en pantalla.

“Las comparaciones son odiosas” dice en refranero popular; y este 2016 será el año en que la comparación será tema inevitable entre las películas basadas en estas dos grandes compañías: DC y Marvel. Por lo pronto, en este primer enfrentamiento, DC salió con una derrota vergonzosa por culpa de los ejecutivos que tuvieron la estúpida idea de dejar a Zack Snyder al frente de la película que tendría como protagonistas a los 3 MÁS GRANDES HÉROES de esa casa. El resultado habla por si mismo. Un fracaso épico.

Marvel, por su parte, apuesta al entretenimiento inteligente y la acción para lograr – una vez más – una película que no busca otra cosa que divertir de la mejor manera.

Jonás Cuarón carga con una loza muy pesada, su apellido, el cual si bien puede abrirle muchas puertas también hace que muchos espectadores le descalifiquen de inmediato al pensar que en realidad su padre es la mano que maneja los hilos detrás de él o que su tío es el que ayuda en el guión. Que apareciera como guionista de Gravedad (Gravity 2014) y que su corto Aningaaq fuera incluido en el bluray de la misma, parecía capricho paterno y no que la historia tuviera que ver con la cinta ganadora al Oscar (cuando es una parte de ella). Afortunadamente su segundo largometraje, tras Año Uña de 2007, es una cinta que demuestra su talento como director y, lo más importante, alejado del estilo visual de su familia.

Un grupo cruza ilegalmente la frontera México-Estados Unidos, su guía les llevará por un camino largo y complicado que cruza el desierto. En el camino son emboscados por un norteamericano que les caza como animales. En el juego del gato y el ratón, nadie saldrá indemne.

Joel y Ethan Coen son odiados y admirados por igual. Su cine lleno de referencias al cine clásico norteamericano, con un humor satírico no siempre logrado, con historias profundas disfrazadas de ligerezas, les ha ganado una legión de haters y fans por igual. Ahora en 2016 regresan con una cinta que recuerda sus mejores trabajos, sin llegar a ellos, pero que les coloca arriba del promedio de cine que se hace hoy en día.

1951, los estudios Capitol Pictures se encuentran en la filmación de su cinta más ambiciosa del año, el péplum  Hail, Caesar! A Tale of the Christ, el cual narra la transformación de un centurión romano al cristianismo tras conocer a Jesús de Nazaret. Las cosas se complican cuando su estrella es secuestrada por un grupo de guionistas comunistas que buscan romper el status quo que impera en el cine, además un viejo escándalo del pasado amenaza con romper su ascenso. Pero nada es complicado para el jefe del estudio, quien siempre encuentra la forma de salvar el día.

En el 2008 se estrenó la Opera Prima de Matt Reeves, Cloverfield, una cinta que jugaba con el estilo del Found Footage Film, mostrando los peores clichés del género, y que mostraba los estragos que provocaba en Nueva York el ataque de una criatura alienígena. Odiada por muchos y admirada por igual por otros tantos, el éxito que tuvo en taquilla y en formatos caseros hacía predecible que se filmará una secuela, la cual, de forma sorpresiva, se anunció 8 años después, una vez que se había terminado de filmar: Avenida Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane).

Michelle acaba de abandonar a Ben, su pareja, mientras conduce por carretera sufre un accidente, despierta en un sótano, con suero intravenoso y encadenada. Pronto conoce a su captor, un exmarine que ha construido un refugio antinuclear, quien le dice que ha estallado una bomba y afuera todos han muerto. Cuando conoce a otro de los habitantes del refugio se da cuenta de que todo podría ser cierto. Pero en el mundo de Cloverfield nada es definitivo.

Pocas veces, contadas, las secuelas funcionan en pantalla, superando la versión original y parchando de forma correcta los errores que la primera haya tenido. En el 2012 tuvimos la desgracia de atestiguar una de las peores películas del año, Blanca Nieves y El Cazador (Snow White and the Huntsman Sanders), un intento de modernizar la historia de Blanca Nieves volviéndole una guerrera que vence a los villanos, la cual era protagonizada por la Cate Blanchett de los hipsters, la antipática y nada expresiva Kristen “Apesto-en-pantalla” Stewart. Cuando se anunció que vendría su secuela, las cosas parecían no ibam a mejorar pero cuando el intento de actriz de Crepúsculo (Twilight) no fue considerada para aparecer en ella, las cosas cobraron un camino distinto, tanto que El Cazador y La Reina del Hielo (The Huntsman: Winter's War) es un producto infinitamente superior al anterior que, a pesar de sus deficiencias, es entretenido y con un gran trabajo en los efectos especiales.

Hubo una época en que la noche de la ciudad de México fue el escenario perfecto para los espectáculos de cabaret y la glorificación de sus estrellas, las vedettes. La censura ante la exhibición de cuerpos semidesnudos (o desnudos) se había debilitado y era posible ver muchos espectáculos que apostaban a explotar la libido de los asistentes. La década de los 70s y 80s fueron el último gran momento de las vedettes en el país, cerrando un ciclo que había iniciado a principios de siglo, pasado por diversas épocas de bonanza, para no volver a la fecha. El presente de cinco de ellas es el que se retrata en el documental Bellas de Noche de María José Cuevas, quien apuesta en su primer largometraje el recuperar a esas estrellas de antaño, dueñas de un pasado que parece darle vergüenza a México recordar. La Princesa Yamal, Olga Breeskin, Wanda Seux, Lyn May, Rossy Mendoza son las encargadas de darle vida a los recuerdos de una época, llena de oropeles y que al desaparecer se llevó todo, hasta su recuerdo.